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Florence Welch ha estado jodida y sus melodías lo saben: ¿Hay salida en lo Big, lo Blue y lo Beautiful?

El mes pasado, mi amiga Mar Suárez (a.k.a en el mundo blogger Mar Music Memories), realizaba un interesantísimo análisis a la lírica detrás de How Big How Blue How Beautiful, desmembrando las capas y capas del disco para acabar por descubrir a una Florence Welch que, perfectamente, responde a la descripción que se realiza en el primer post que conforma esta trilogía:

Flo es un ser reforzado (que no necesariamente fuerte), asertivo (que no por ello seguro), decidido (que no por ello impulsivo) y, sobre todo, valiente y que tiene claro lo que prefiere y quiere.

No voy a realizar un nuevo análisis lírico, que para eso ya está el ya publicado por mi amiga Mar,  es cierto que quiero añadir mi pequeña aportación a este gran trabajo hacia el final, aunque voy a centrarme en un apartado más simbólico y melódico-musical.

Porque después de escuchar y digerir (y consolar mentalmente a Flo por todo lo que ha pasado en su vida para ofrecernos esta delicada y sublime obra) este How Big How Blue How Beautiful, uno acaba coincidiendo en que Flo ha estado jodida. Así de simple.

Esta fase de enfado y frustración experimentada por Flo viene acompañada del miedo de no poder volver a amar, de no poder volver a dar todo lo que alguien en su momento disfrutó y luego desechó.

Porque vale, al final lo acaba superando (o al menos, deja las puertas abiertas a unos nuevos comienzos como reza Mar citando como ejemplo Third Eye), pero las cosas como son. Es más, Flo estaba tan jodida que no soló se volcó en la letra, sino que también en las melodías, y ahí es donde nos vamos a centrar aquí.

En una entrevista, Flo declaraba que la sección de viento final del tema How Big How Blue How Beautiful:

“The trumpets at the end of that song-that’s what love feels like to me,” Welch added. “An endless brass section that goes off into space. And it takes you with it. You’re so up there.

Teniendo esta idea en cuenta, nos podemos encarar al álbum con la siguiente premisa: las trompetas son sinónimos de amor. Grosso modo. Cojamos los temas en los que aparece una sección de este estilo: HBHBHB, What Kind Of Man, Queen Of Peace, Which Witch y St. Jude Ahora, podemos analizar la melodía principal y evolución de la sección de viento de cada uno de los temas mencionados y relacionarlo, de algún modo, con las fases de una ruptura de las que habla Mar:

  1. How Big How Blue How Beautiful o la fase de verdadero amor/ceguera: “Qué bonito era todo” es el resumen perfecto de la melodía que protagoniza la sección de viento en este tema. Entrando de forma suave y acaramelada antes del primer estribillo, añadiendo momentos en los que aumenta la intensidad y, finalmente, ese final lleno de texturas y el crescendo final. Lo que puede ser una relación en toda regla: Momentos de altibajos sustentados en la dulzura de la inocencia y ceguera que aporta estar enfrascado en un momento de efervescencia sentimental. Esos violines que aparecen como destellos y la posibilidad de imaginarse a una Florence volcándose en la relación (al menos, en un inicio) con la misma intensidad.
  2. What Kind Of Man o la fase de pérdida e ira: Aparece de repente, para complementar una escena que ya de por sí la encontramos agresiva. Una guitarra eléctrica que rompe la escena con unos riffs que retumban y, finalmente, esas trompetas que, en cierto modo, funcionan de aviso de lo que se va a desencadenar. Una melodía algo simple, pero concreta, tal y como es el inicio de un ataque de ira. Una Florence recriminando a una pareja que la ha dejado tirada cuando en el principio de la relación todo parecía muy bonito.
  3. Queen Of Peace o la fase de recriminación: Antes o después llegan las primeras peleas. Qué podemos decir de ese inicio que suena bélico pero a la vez con un deje de tristeza. Porque tenemos uno de los estribillos más agresivos del álbum en los que se denota a la perfección la diferencia entre la rabia inicial que yacía contenida y que finalmente explota (caso de What Kind Of Man), a la forja de un sentimiento de ni contigo ni sin ti, de lucha interna y externa. 
  4. Which Witch o la fase de recaída: Donde hubo fuego, quedan rescoldos. Flo aún está quemada jodida. Se nota cierta contención en la melodía pero no puede evitar estallar en la recta final. Si antes hablaba de lucha interna y externa, por el cariz y la composición de este tema en general, aquí hablaríamos más bien de una lucha interna. Esos estribillos en los que Flo hace uso de un rango vocal que está a medio camino entre el control y el grito de desesperación lo dice todo.
  5. St. Jude o la fase de aceptación: El último paso, el momento donde se reconoce todo. “No pudimos tenerlo todo y desde un principio lo supimos, pasemos página de una vez”. Desenvolviéndose en una melodía algo intimista donde Flo suena del todo frágil, la sección de viento se ve modulada de tal modo que hace que el timbre habitual de una trompeta cambie. Si de nuevo aplicamos la teoría, daría lugar a que Flo sigue teniendo constancia de que el amor sigue existiendo, pero tal vez ya no sienta lo mismo por esta persona. Una “modulación” sentimental: Ya no ve el motivo por el que se enamoró, bien porque definitivamente es algo ya superado o bien por haber otros motivos que le impidan verlo.

Así que con esto hemos confirmado el hecho de que Flo está jodida, y que consigue transportar ese sentimiento tanto a nivel lírico como a nivel melódico, utilizando esta particular simbología que he estado desarrollando. ¿Significa acaso que la ausencia de esta sección de viento simboliza la ausencia de amor? Para tener en cuenta este aspecto nos fijaremos en algunos temas del LP.

Por un lado, tenemos los grandes baladones de este álbum, que son Various Storms and Saints Long & Lost, ambos con una estética oscura de carácter lacrimógeno en el que Flo hace gala de una voz que canta al llanto y a la soledad. ¿Ausencia de amor? , encontrando en su lugar una tristeza que podríamos encuadrar en ese tramo entre la fase de recaída y de aceptación final. 

A continuación podemos hablar de las dos joyitas “ocultas” de este álbum (entendiendo ocultas para el público que no adquirieron la edición simple en un Target): Pure Feeling Conductor. De nuevo, en ambos temas encontramos a una Flo lacrimógena, que intenta disfrazar sus sentimientos en un medio-tiempo que es el primer tema, pero que se acaba derrumbando en Conductor para darnos una de las piezas más conmovedoras y personales de este álbum:

I’m the orchestra,
The conductor too,
My heart is a concert hall
And I filled it with you

Esta letra viene acompañada por una melodía a piano que empieza con delicadeza, incrementando su intensidad en el sector medio junto al resto de instrumentación de carácter acústico y suave; para cerrar finalmente en soledad y fragilidad melódica, complementando a la perfección a Flo. Volvemos a lo mismo: representación melódica de una relación que ha sido la protagonista total del álbum.

Pero no toda esta ausencia de amor está relacionada con momentos de bajón de Flo. Hablamos de Delilah, Third Eye o el clímax que lleva el nombre de Mother. Son temas uplifting, que ven su intensidad amplificada en sus respectivos tramos finales. Todos llevan una melodía que invitan a pasar página (con una correspondiente letra acorde a ello): Los coros que vienen después del estribillo de Third Eye que nos hace mover la cabeza instintivamente por lo sencillo de su estructura, la explosión de Delilah y su percusión sencilla pero directa y, finalmente Mother. En este último podemos encontrar cierta simetría con What Kind Of Man por el uso de la guitarra eléctrica desgarradora, pero comprobamos como en la recta final va mutando ligeramente hasta perderse en los últimos segundos. ¿Recuerda a algo? Si bien en HBHBHB encontrábamos el mismo efecto con las trompetas (el amor), aquí lo encontramos con la guitarra eléctrica y el coro, que pueden simbolizar una nueva etapa que difiere de lo que ha vivido nuestra pobre Flo en su época más reciente.

¿Conclusión? Florence ha superado esta relación. Y esto lo deja ver tanto a nivel lírico, como melódico, como simbólico. Ahora lo que cabría preguntarse es: ¿Se trata este álbum de la superación de una relación vista en retrospectiva? Aquí es cuando me meto en terrenos líricos para complementar (un poquito) los artículos de mi amiga Mar diciendo que no. Este es un álbum que se empezó a forjar en un momento sentimental y se concluyó en otro distinto. Este hecho conlleva a encontrar momentos en los que la propia Flo no sabe lo que siente en ese momento. Contradicciones tal vez, pero todo ello ligadas a un estado sentimental que justifica este modo de actuación. Hablamos de la contradicción entre As Far As I Could Get y la propia HBHBHB.

Because I feel unloved
I went as far as I could get 
(…)
And I’m not far enough yet

Este As Far As I Could Get es la exposición máxima de la Florence dolida, que opta por huir de una situación en la cual no se encuentra cómoda, a saber, huir de Londres para intentar olvidar a su (ex)pareja. O ese es uno de los significados que se pueden extraer y que consideraremos aquí. El “problema” llega cuando cogemos la letra de HBHBHB, concretamente:

So much time on the other side
Waiting for you to wake up

Si tenemos en cuenta un significado literal en este caso, alejándonos de cualquier significado metafórico (ese punto de vista está desarrollado en la entrada de Mar), estos pueden ser unos versos que hagan referencia a la diferencia horaria, simple y llanamente. Encontramos 8 horas de diferencia, y este podría ser un canto de Flo al intento de mantener una relación a distancia que ves como se va desvaneciendo con el tiempo por la ausencia de contacto.

¿Tiene que ser una contradicción? Tal vez se corresponda al orden en el que se desarrollaron los eventos (primero qué bonito es todo HBHBHB, vuelvo para ver que no es así y me voy llorando As Far As I Could Get y enfadada What Kind Of Man). Teniendo en cuenta la situación que estaba viviendo Flo y de la cual nos hace partícipes a lo largo de 19 temas, sería plausible cualquiera de las dos teorías. Esto no quita una cosa: la sensibilidad de una mujer como esta ante una relación tormentosa y la capacidad de superación y de registro de la misma. Bravo, Flo. Bravo.


Enlaces de interés

Artículos de Mar Suárez en relación a este álbum y su valor sentimental y lírico: Parte 1, parte 2, parte 3.

Genius, el portal de letras de canciones donde los usuarios pueden plasmar impresiones y significados de canciones o trozos de ellas (sección Florence and the Machine).

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“Powerful” de Major Lazer y Ellie Goulding: Objetos flotando en una cafetería años 50

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Cuando intentas invocar tus poderes “super saiyan” sin éxito

Desde que Ellie Goulding publicara hace dos años aquel Halcyon con el que triunfó, las cosas como son, se ha estado estudiando cada paso que ha dado la británica, para ver nuevos indicios del nuevo álbum con el que nos recibirá próximamente. Es cierto que contamos con material inédito que forma parte de las películas Divergente 50 Sombras de Grey, pero colaboraciones como este Powerful, con Major Lazer, de quien también la gente va detrás para encontrar un digno sucesor de aquel aplastante Lean On.

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Cuando pides el café con leche fría y en su lugar echan magma volcánico

A nivel musical, hay que admitir que este Powerful no entra tan bien como ya lo hiciera Lean On, es un tema que lleva un onda más profunda, con un house más oscuro y, en cierto modo, menos pegadizo que en el tema en el que colabora , pero aún así, Diplo no puede evitar otorgarlo su fórmula para que cuente con unos estribillos pegadizos en los que confluyen fantásticamente la parte vocal quebradiza y frágil de Ellie Goulding con la aportación (la cual a un servidor le recuerda a Bruno Mars) del cantante de soul Tarrus Riley.

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Cuando el fantasma de Juan Valdez te sirve el café

En lo que respecta al vídeo, volvemos a la tendencia de no contar nada. Diría, por seguir en parte la letra, que quiere transmitir la idea de que el amor nos hace poderosos, juntos somos invencibles, etc, etc. Y digo con respecto a la letra porque es ver el vídeo y notar una conexión nula entre Ellie Goulding Tarrus Riley. Así que, si el trasfondo del vídeo no es lo que comento siendo esa actuación una mala interpretación, efectivamente estamos ante un vídeo que no dice nada. Con menos bailes y menos escenarios que en Lean On, pero mención a parte se merecen los efectos especiales que copan el vídeo, como son tazas y camareras volando, cafés que se empiezan a calentar solos…

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Cuando vas al baño y el secamanos está roto y no tienes con qué secarte

En definitiva, un vídeo más “controlado”, por diferenciarlo con el de Lean On de un tema ídem. En un apartado técnico, este Powerful es un tema mucho más interesante, a nivel de producción, con una melodía más lenta y sensual que, por cierto, permite bajar las revoluciones del álbum del que ha sido tomado, Peace Is The Mission. Si Major Lazer buscaba un nuevo pelotazo, con este Powerful no lo ha encontrado, y menos aún con el vídeo. Pero en lo que respecta a la trayectoria de Ellie Goulding, si supone un paso muy notable de su Halcyon, que permite que se desmarque en parte de la electrónica en ocasiones tan barata de su re-edición. Habrá que estar pendientes de los nuevos pasos que tomen ambos artistas.

“Bitch Better Have My Money” de Rihanna: Venganza y dinero en un vídeo de cine

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Cuando estás a final de mes e intentas apurar toda la gasolina posible

Rihanna ha ido con retraso. Lanzó como single Bitch Better Have My Money, tema con el que consiguió sorprender a la mayor parte del público. Recordemos que pasaba de un tema algo más acústico como aquel FourFiveSeconds con Kanye West Paul McCartney, a uno de dimensiones más trap y, en general, un sonido al que no nos tenía acostumbrados.

Después de una serie de interpretaciones en vivo que llamaron a un más la atención, han tenido que pasar unos meses hasta que finalmente tengamos con nosotros el vídeo del tema. Que, aunque tarde, lo hace por todo lo alto.

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“Asiente y sonríe”, cuando estás con tus amigas, pasa tu madre y disimulas

Porque vale que no sea la reina del hype y este año el premio se lo lleve Taylor Swift con Bad Blood. Y es que el anuncio del vídeo con trailer no se hizo con un lapso de tiempo como en Bad Blood. Pero, sin duda, esa ilusión hubiese estado justificada. Porque, a diferencia del vídeo de Taylor Swift, el vídeo de la de barbados sobrepasa cualquier expectativa que se tuvieran puestas en él desde que se vislumbrara el primer adelanto del mismo.

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Cuando quieres crear envidias en Instagram #me #summer #whiteteethteen #hipster #beautiful

El vídeo corresponde completamente al tema al que acompaña. Nos encontramos a una Rihanna vengativa, no tan dulce como en otros vídeos, que busca que le devuelvan su dinero. ¿Cómo lo intenta? Secuestrando a la mujer de su deudor para acabar finalmente matándola. Y ante la estanca situación de las cuentas bancarias del marido, a él también. Todo ello con una cinemática espectacular y una puesta en escena que no tiene nada que envidiar recuerda a las escenas más gore del cine de Tarantino.

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Cuando llegas de fiesta y los cereales que llevan tres meses abiertos te sientan de gloria

Total, que en Bitch Better Have My Money nos encontramos a una Rihanna agresiva, entre escenas que abarcan desde gasolineras, naves inmensas y barcos. Porque el día que decidieron grabar se lo podían permitir. También hay que señalar que, entre tanta escena “desagradable” (que no lo es tanto), encontramos algún que otro momento de humor, como cuando disimulan delante de un agente de policía o cuando el marido se dedica a lanzar billetes. Quiero la versión emoji de ese momento.

Análisis del vídeo de “Pretty Girls” de Iggy Azalea y Britney Spears: Las divas del flop en un vídeo de igual calidad que sus carreras

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¿Qué podemos esperar del vídeo de un single cuya portada se presenta de esta manera? A medio camino entre la ficción de los años 80, las dos reinas actuales del flop, Iggy Azalea y Britney Spears, presentan una nueva colaboración con vídeo a juego. Y se complementan muy bien, porque si la calidad del single es más que deplorable, lo mismo podríamos decir del vídeo.

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Iggy con complejo de Yurena saliendo de una piscina

Es que ya desde el principio, un single de este calibre estaba más bien destinado al fracaso. Por un lado Iggy, una de las raperas más odiadas del mercado americano (vale, Fancy tuvo su lugar, pero su álbum debut fue un auténtico flop); y por otro lado, Britney Spears, que aún se pregunta qué ha salido mal de Britney Jean mientras veo su videografía en su salón comiendo helado. Y es que el video parece tomar lugar en principios de década de los 2000, cuando Britney estaba en boga y los bailes sincronizados diva del pop/conjunto aún más. Esto solo sirve para darle un punto más de “¿Pero por qué?” al vídeo.

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Cuando recuerdas tu años de bonanza vendiendo discos

En lo que respecta a la temática del vídeo, encontramos a Britney que, o bien es una madre con una crisis de madurez que intenta volver a su juventud bajo toda costa, o la han caracterizado muy mal de adolescente. En cualquier caso, se hace amiga de Iggy, que es una alienígena (si fuese australiano, me lo tomaría como una ofensa, porque fuera de contexto puedes llegar a que afirman que Australia está en otro país). En cualquier caso, se hacen súper amigas, van juntas al lavadero de coches, Britney le presentan a Iggy a sus amigas, se van de fiesta… Y al final acaban siendo abducidas. Pero ojo, que la escena se corta ahí para darle cierta intríngulis a los seguidores de ambas cantantes… si lo hay.

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Cuando imitas a Rebeca “duro de pelar” y pones una pose sexy para la cámara

Y por lo demás, el vídeo tiene el mismo trasfondo que la carrera de Iggy Azalea, ninguno. Planos de las amigas en el coche jugando (¡poniendo en peligro la seguridad vial!), de fiesta con sus bailes, con los efectos que en ocasiones rozan lo muy profesional y en otro lo amateur/¿pero por qué haces esto?“. En fin, de este nuevo single no cabe esperar mayor repercusión mediática a nivel de ventas. Hemos hablado del vídeo, pero en lo que respecta al tema, es repetitiva, no ofrece nada nuevo y la parte vocal no suena a ninguna de las dos… lo cual no sé si es una ventaja o un inconveniente.

Análisis del vídeo de “Ship To Wreck” de Florence + the Machine: Dobles personalidades y actitudes bruscas

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Cuando lo único que te hacía falta era que lloviera

Mientras tengo duda acerca del estilo de los títulos de esta sección de análisis de vídeos, de lo que estoy seguro, y cada día más es que AShip To Wreck es un temazo, B: Tiene muy buen vídeo y CFlorence + the Machine está que se sale últimamente, y de esto último da fe su actuación en el Coachella, de la que saliera con ciertos problemas de los que esperemos se recupere pronto. Pero en cualquier caso, toca centrarse en su  nuevo vídeo, hablemos de Ship To Wreck.

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Girls be like “I got nothing to wear!”

Tanto el tema en sí como el estilo del videoclip se encuentran en estrecha relación con What Kind Of Man, aunque ambos aspectos algo más diluidos, por así decirlo. No encontramos ese factor hostia (perdón por el término, pero creo que queda muy gráfico así puesto) que teníamos en What Kind Of Man. Por un lado, aquel guitarrazo eléctrico que rompía el ambiente siniestro que había creado Florence, y por otro toda la brutalidad del videoclip, donde goddess Florence hacía grandes usos de sus dotes de actriz para someterse a un papelón donde hacía, en cierto modo, de apaleada (sentimentalmente hablando) que luchaba por limpiar sus pecados. O eso fue lo que entendí.

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Cuando te metes en la bañera haciendo la croqueta

Ship To Wreck es, por decirlo de algún modo, un vídeo más concreto. En cierta manera, no es tan abstracto, o al menos tan difícil de comprender como What Kind Of Man. Quiero decir, es un vídeo con interpretaciones, pero centrado en un único lugar, donde más o menos se juega con la técnica del plano secuencia que nos da momentos muy interesantes en el que nos encontramos a Florence en plena batalla amorosa y familiar, con fondos abarrotados y llenos de decorados.

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Cuando te entran ganas muy fuertes de estornudar

Ahora lanzo mi interpretación del vídeo. Bueno, en realidad van dos posibilidades. Por un lado, nos muestran una contraposición de actitudes. Por un lado, a la Florence normal, que es, por ejemplo en el fotograma de arriba, la que se encuentra en actitud simpática sirviendo a los comensales de la mesa. Y por otro lado, la Florence salvaje, la que está encima de la mesa dejándose llevar. Para justificar este momento, y algunos parecidos que hay a lo largo del vídeo, podría hablar de la represión social, es decir, que el resto impone a Florence actuar de determinada manera cuando está harta y lo único que quiere hacer es rebelarse contra lo establecido.

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Cuando se te olvida cómo abrazar a alguien y eres un “socially awkward penguin”

La segunda interpretación vendría dada por los primeros versos del tema: “Don’t touch my sleeping pills, they mess with my head”¿Y si toda esta actitud y situación de Florence no es mas que un sueño? Si nos fijamos bien, en la escena en la que Florence está en el suelo, podemos ver a su alrededor pastillas esparcidas, lo que podrían ser esas pastillas para el sueño que menciona en la canción, y las situaciones posteriores no ser más que alegorías de lo que está experimentando en sueños: Amor, odio, rebeldía.. Esta interpretación podría verse complementada con el final del vídeo, que retoma este plano, cerrando con una Florence dormida.

Pero claro, esta es mi interpretación de un vídeo interesante que despierta el debate y las ganas de comentar. Hacedme saber que opináis vosotros una vez lo hayáis visto.

Análisis del vídeo de “Tear In My Heart” de Twenty One Pilots: Peleas en restaurantes asiáticos y miradas reinterpretadas

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“You know what I’m saying?”, después se fue chasqueando los dedos y con un movimiento de cadera

Hablemos de Twenty One Pilots. No sé si, alguna vez a lo largo de la historia de este blog, he hablado de este dúo conformado por Tyler Joseph y Josh Dun, cuyo estilo fluctúa entre el pop de bases electrónicas y el rap, con momentos de mucho sintetizador, mucho piano o mucha batería. En resumen, un importante y buen eclecticismo en sus temas.

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Cuando un hipster intenta reconvertirte a base de miradas indies y barbas pobladas

El caso es que este dúo salió a escena con un interesante álbum debut, Vessel, al cual le van a dar sucesor en unos meses: Blurryface. De este álbum ya conocimos un primer adelanto, Fairly Localpero hoy toca hablar del segundo tema presentado, este Tear In My Heart, que suena mucho más animado y ligero que su predecesor. En lo que respecta al tema, encontramos un fuerte peso de la fórmula que nos dieron en su álbum anterior, pero añadiéndole cierto toque de energía, vitalidad y madurez que no habíamos visto antes.

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Cuando tu cara admite muchos captions de distintas emociones

Centrándonos en el vídeo, encontramos a los integrantes del dúo en medio de un escenario asiático interpretando el tema, con un Tyler que se mueve nervioso entre el piano, el micrófono y, finalmente, en una pelea en un restaurante chino con la que parece ser su amante/amor/amiga. Suena mucho a Jackie Chan, pero el resultado no es tan espectacular como una de las escenas del actor.

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Cuando te hacen la técnica definitiva de Kill Bill y caes muerto a los 3 pasos

Como siempre digo, vídeo entretenido, que no ofrece ningún dilema a descifrar y que para pasar el rato está muy bien. Cuenta con una buena producción e interpretación del vocalista del grupo, que tiene que soportar esa prolongación del cuello de la camisa que le hacen pintándosela con pintura negra, que tal vez tenga significado para él, pero a mí me desconcierta.

Análisis del vídeo de “Can’t Deny My Love” de Brandon Flowers: Un western con toques de brujería

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Cuando un curandero te quiere hacer un diagnóstico de tu vida

Yo soy partidario de los comebacks. Creo que, en la mayoría de ocasiones, es muy necesario. Por un lado para el público y los seguidores que se granjeara el artista en cuestión durante su momento, y por otro lado, por el mismo artista, que tiene que demostrar que no fue capricho de una noche. Y esta es el caso de Brandon Flowers y su nuevo single, con vídeo correspondiente que vamos a criticar comentar en esta entrada Can’t Deny My Love.

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Cuando te pones a andar y llegas al set de rodaje de Flashdance

Por un lado, hablemos del tema en sí. Es un tema que cuesta. En la primera escucha resulta algo extraño y con algunos delirios de grandeza, ya que intenta hacer un estribillo algo grande, mete un puente con un falsete que de primeras no entra… Pero conforme le das escuchas, va creciendo. Y acaba enganchando. Y Brandon Flowers acaba convenciéndote para querer a este corte.

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Cuando eres la única mujer en una discoteca

Y ahora, hablemos del vídeo. Con una ambientación de western protagonizado por John Wayne, encontramos a un Brandon Flowers que se enfrenta a magia y hechicería (como Hogwarts) para rescatar a su amada. Pero ojo, que luego resulta ser todo un sueño, ya que vuelve a su casa y se encuentra con su mujer en la cama. El plot twist viene al final cuando saca de su mochila un lazo rosa que había cogido en su “sueño”.

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Cuando suena la alarma pero el profesor sigue explicando

En cualquier caso, es un vídeo entretenido, con una buena producción y que narra una historia interesante, donde lo real y la ficción se entremezclan siendo Brandon Flowers el elemento conductor. Desde luego, es un buen paso adelante en la carrera del cantante de The Killers en su faceta solitaria, a la espera estamos de su segundo LP, The Desired Effect.