electrónica

Owl City estrena “Verge”, primer adelanto de su nuevo álbum de estudio

Owl City es uno de esos artistas (recordemos que bajo ese nombre se oculta Adam Young, un joven músico de Minessota) de los que siempre me gusta hablar, y es que consigue aunar la producción mainstream de plano “indie”, en lo que respecta a que tanto música como letra está hecha por él, con la autenticidad de él mismo. Es decir, hace la música que quiere y habla de lo que quiere: desde el amor o los buenos momentos en un espectro más banal a su devoción a Dios por ejemplo.

En cualquier caso, Verge pertenece al primer grupo. La colaboración con Aloe Blacc (también conocido por ser la voz de Wake Me Up de Avicii) trata, a nivel lírico, la perspectiva de un estudiante que acaba el instituto/universidad y se tiene que enfrentar a un nuevo futuro. De hecho, el lyric video con el que se presentó el tema deja de manifiesto este aspecto.


Por otro lado, a nivel melódico, ofrece cierta madurez con respecto su último álbum The Midsummer Station, mientras sigue ofreciendo esa suerte de mezcla de EDM e indietronica tan característica de esta etapa más reciente del americano. Cabría destacar cierto toque de sintetizador que imita un silbido y le termina de dar cierto empaque al tema.

En ese aspecto, el tema no despunta en originalidad, pero resulta bien pegadizo y summer friendly. En cualquier caso, lo fresco de este tema vendría de la mano de la letra del mismo. Adam Young hace gala de cierto minimalismo en la lírica, algo poco habitual en él. Pero en cierto modo, de esta forma la canción adquiere cierto gancho, con los versos clave que anteceden al estribillo explosivo.

Pero habrá que esperar al 10 de julio para escuchar al completo Mobile Orchestra, el LP que recoge este tema y otros que hemos podido conocer los meses anteriores como You’re Not Alone y This Isn’t the End.

Disclosure estrenan “Bang That” y esperemos que no lleven ese nuevo sonido en futuras entregas

Después de una pausa de unos días porque me he ido de viaje y básicamente me quería tomar unos días libres de escritura en el blog (los cuales espero compensar o algo) volvemos. Y parece ser que no soy el único que vuelve, y es que Disclosure ha presentado un nuevo tema, que hace de aperitivo para el nuevo álbum en el que están trabajando y del que pronto tendremos más noticias.

O al menos eso es lo que dice el caption del vídeo. A esta información se le suma que es un tema que han ido poniendo en sus sets de DJ y que lo enfocan para tema para el verano. Desde luego no es un tema que mantenga la estética de aquellos fantásticos You & Me Latch, dos de los títulos más representativos de aquel debut Settle con el que, básicamente, lo petaron. Atrás queda ese house de garaje y melodías EDM del más puro estilo Ibiza a media tarde para centrarse en este nuevo Bang That, donde pretenden conquistar la noche con un tema que ofrece muchísimo menos que los de su álbum debut.

Básicamente, podría ser un remix o una versión extendida de alguno de sus temas, ya que es una melodía protagonizada por una percusión sencilla de deep house, con un sintetizador discreto que hace las veces de hilo conductor y una parte vocal modulada que, bueno, deja mucho que desear.

En cualquier caso, esperemos que este tema sea de transición para los hermanos británicos, y que nos indique que van a coger un nuevo camino en el sucesor de Settle. Pero lo que esperamos es que ese nuevo camino no se parezca a este Bang That.

Madonna mezcla pasado y presente con dos de sus más divertidas actuaciones en Jimmy Fallon

Dejando de lado su intervención en el Coachella con morreoDrake incluido que le da una década más de vida a la cantante, Madonna apareció hace pocos días en el Tonight Show, un late night americano presentado por Jimmy Fallon, donde el humor, las entrevistas a personalidades y las actuaciones en directo se entrelazan para dar grandes momentos, como este pictionary tan divertido con Julie Bowen, Demi Lovato y Wayne Coyne. Pero hoy venimos a hablar de Madonna como digo.

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Y es que ha protagonizado no uno, sino dos de los momentos más interesantes de la semana en este programa, y casi que también de lo que lleva de presentación de su nuevo álbum Rebel Heart. En primer lugar, tenemos esta actuación tan animada y con la que supo conectar tanto con el público de su tema, de este último LP, Bitch I’m Madonna. Que vale que es un playback puro y absoluto y que Madonna canta al final casi que por decencia, pero ese efecto lipdub con la aparición de su hijo, Diplo en modo formal y una serie de bailarines que podrían ser retoños de la cantante de Vogue, junto a una coreografía animada y un hombre afortunado que fue cogido por Madonna y se la acercó a su cuerpo, hace de esta una de las mejores interpretaciones, o si queréis no-interpretación/playback/baile, de este Bitch I’m Madonna.

Y luego tenemos el momento revival, y no es otro que con esta interpretación de Jimmy Fallon, Madonna The Roots (el grupo que da música en el Tonight Show) del mítico Holiday, utilizando instrumentos que se pueden encontrar en cualquier aula (de ahí el título de la interpretación). El resultado de esto es un momento muy agradable y simpático, que nos muestra a una Madonna que, por una vez al menos, se aleja de los sonidos de twerking de su último álbum para dar una interpretación low-key de uno de sus temas estrella.

Crítica de “FROOT” de Marina and the Diamonds: El límite entra madurez y genialidad musical no encontrado

Hablemos de Marina and the Diamonds y de su nuevo álbum. Porque sí, yo soy de aquellos que esperaba con ansia la continuación de Electra Heart, un álbum que fue para quitarse el sombrero sinceramente. Hay que elogiar tanto el estilo que me predicaba la británica como con el alter ego y el background del álbum.

Así que cuando empezaron los anuncios de FROOT, comencé a seguir la pista a este nuevo trabajo musical, y uno de estos primeros adelantos fue el tema que le da nombre al LP. FROOT es un tema con cierto toque disco bastante agradable, pegadizo y un estribillo simple que se queda con facilidad como digo. Pero este tema, desde luego, no va a marcar la temática del álbum. Al menos en parte.

Y es que este es un álbum autodestructivo. Simple y llanamente. No hace falta más que prestar una mínima atención a las letras, y mira que no lo suelo hacer pero es imposible no hacerlo, para encontrar unas letras que dicen mucho del estado actual de Marina Diamandis, o al menos, demuestra una faceta interesante en la cantante, como en el caso de Savages, que con una melodía simple que empieza algo introspectiva canta “Murder lives forever, and so does war, it’s survival of the fittest, rich agains the poor”. 

Y ese es otro aspecto a destacar de este álbum, y es que encontramos melodías alegres, o al menos, descafeinadas, donde se cantan letras bastantes profundas. Tan solo el inicio, Happy, nos demuestra esta faceta. Una balada que empieza simplemente con su voz y un piano y que acaba evolucionando en un tema que suena puramente orquestal. Pero los buenos momentos, cabe decir, que quedan un poco ahí.

Salvo ciertos momentos de lucidez, como este Happy, FROOT Blue, que tiene un teclado que le da cierto toque infantil bastante simpático, el resto del álbum suena algo lineal.

Por un lado, tenemos las melodías más descafeinadas, que si bien al cabo del tiempo no aportan demasiado, sirven para reducir la carga emocional del álbum. Melodías basadas en sintetizadores animados, percusiones simples pero que, en el caso de Can’t Pin Me Down tiene cierto toque motown/disco bastante apetecible;  o riffs de guitarra que aunque no sean los protagonistas absolutos de los temas, sí da un buen cuerpo al álbum.

Por otro lado, cabe destacar los temas más emocionales y más oscuros. Salvo Happy, la mayor parte de estos temas se encuentra en la segunda mitad del LP, con temas como Solitaire, Weeds o la increíble y cierre del álbum Inmortal, que es uno de estos temas de aplaudir, sinceramente. Tal vez no lo escuche todos los días, tal vez sólo lo escuche si me escucho el álbum entero, pero es un tema lento, que avanza con una seguridad y un crecimiento que es de alabar. Y que consigue que, en parte, olvidemos lo meh del resto del álbum.

Por último podríamos destacar los temas que se quedan diluidos en un mar de sonido muy parecido y que acaba resultando falto de originalidad. Los temas por separado sonarían muy bien, pero juntos, y al menos en la combinación en la que están situados en el álbum, hace que resulte repetitivo el álbum.

Y luego, qué decir en rasgos generales. Salvo FROOT, no encuentro melodías que se queden a la primera, o que me hayan gustado tanto. Esto no me pasó en Electra Heart, o el debut The Family Jewels. En el caso de su segundo álbum, cada canción era un mundo con melodías distintas y apuestas muy interesantes. Aún me sigo acordando de aquel State Of Dreaming y sus violines, o la simpática Primadonna. 

Pero no tenemos nada de esto en FROOT. Tenemos un álbum en el que Marina and the Diamonds muestra su madurez, tanto lírica como creativa, y esto, al menos, sí lo consigue. ¿El precio de esta madurez? El estilo de este álbum, con un meh perenne sobrevolando la mayor parte de los temas.

Y es una pena, porque no es un álbum con tantos temas como los anteriores, y es que en este caso contamos con 12 temas, pero la duración de cada una de ellos sobrepasa los 4 minutos, y entre tanta dilatación de tiempo, parece diluirse en parte la posible genialidad de estos temas. Tal vez algo más concentrados, con las ideas más claras y más diferenciadas, hubiesen funcionado bien estos temas. Pero tal vez hubiésemos perdido esa madurez de la que quería hacer gala la Diamandis. Con lo que podemos concluir en que no ha encontrado el equilibrio entre madurez y genialidad musical.

Sin más, pasemos a la calificación del álbum:

Originalidad:

-En el álbum: Como llevo diciendo, una parte animada que suena bastante bien, una parte dramática que es muy interesante, y el resto de temas que suena bastante repetitiva. 0,6/1

Con respecto al resto: Aquí tengo que clavar una lanza a favor de Marina. Y es que, por mucho que recurra al recurso de la balada, lo interpreta con un estilo propio que ya quisieran otras artistas de la escena del pop. Y la parte más animada del álbum, con esa reminiscencia disco tiene algo de precursora que no he oído, al menos demasiado, en el resto de gente. 0,75/0,75

Con respecto a lo anterior de la artista: Por suerte o por desgracia, no se parece en nada a lo que llevábamos visto anteriormente. Queda en este álbum el recuerdo y la experiencia de ser un tercer álbum, pero, como digo, no sabría decir si esto es bueno o malo. 0,75/0,75

Impresiones:

-Primera impresión: La primera mitad entró con facilidad, no os voy a engañar. Happy, FROOT I’m a Ruin forman una combinación perfecta. La mezcla se mantiene con estabilidad hasta que llegó un punto que ya me planteé dejar de escuchar el álbum, pero en la recta final me volvió a cautivar. Con todo esto, lo dejaría en un 1/1,5

Tema a tema en profundidad/Impresión general: Aquí hay que hacer ciertas distinciones. Por un lado, no hay queja posible de la producción, ya que se nota que cada tema está muy elaborado. Ahora bien, esta labor de producción queda un poco eclipsada en la globalidad de un trabajo que cansa a mitad de escucha. Y es que da rabia, porque son temas pegadizos que, como digo, funcionarían bien por separado. Pero asimismo, el hecho de haber poblado este álbum de tantos temas de este estilo sirve como arma de doble filo, que en este caso, le hace cierto daño a Marina. No hay melodías que se queden rápidamente y, salvo un par de temas, no se invita a volver a escuchar el álbum. Podríamos decir que los árboles no nos dejan ver el bosque, pero la sombra del “tú antes molabas” acecha, y mucho. Básicamente porque es verdad. 2,5/5

-Lista de reproducción y compra: No sé cuanto durarán, pero de momento FROOT Blue forman parte de mi lista de reproducción, aunque no les vea una permanencia tan larga como la de Electra Heart, pero en cualquier caso, de eso ya hemos hablado. En lo que respecta a la compra, bueno, es un álbum que apuesta, y aunque pierda, ofrece un sonido distinto al panorama actual, y aunque no sea de lo mejor que ha hecho Marina, habría que considerarlo. Pero vaya, ni fu ni fa, tengo la misma sensación con su compra que con el álbum en general. 0,6/1

Puntuación total: 6,2/10

FROOT

Análisis del vídeo de “Tear In My Heart” de Twenty One Pilots: Peleas en restaurantes asiáticos y miradas reinterpretadas

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“You know what I’m saying?”, después se fue chasqueando los dedos y con un movimiento de cadera

Hablemos de Twenty One Pilots. No sé si, alguna vez a lo largo de la historia de este blog, he hablado de este dúo conformado por Tyler Joseph y Josh Dun, cuyo estilo fluctúa entre el pop de bases electrónicas y el rap, con momentos de mucho sintetizador, mucho piano o mucha batería. En resumen, un importante y buen eclecticismo en sus temas.

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Cuando un hipster intenta reconvertirte a base de miradas indies y barbas pobladas

El caso es que este dúo salió a escena con un interesante álbum debut, Vessel, al cual le van a dar sucesor en unos meses: Blurryface. De este álbum ya conocimos un primer adelanto, Fairly Localpero hoy toca hablar del segundo tema presentado, este Tear In My Heart, que suena mucho más animado y ligero que su predecesor. En lo que respecta al tema, encontramos un fuerte peso de la fórmula que nos dieron en su álbum anterior, pero añadiéndole cierto toque de energía, vitalidad y madurez que no habíamos visto antes.

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Cuando tu cara admite muchos captions de distintas emociones

Centrándonos en el vídeo, encontramos a los integrantes del dúo en medio de un escenario asiático interpretando el tema, con un Tyler que se mueve nervioso entre el piano, el micrófono y, finalmente, en una pelea en un restaurante chino con la que parece ser su amante/amor/amiga. Suena mucho a Jackie Chan, pero el resultado no es tan espectacular como una de las escenas del actor.

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Cuando te hacen la técnica definitiva de Kill Bill y caes muerto a los 3 pasos

Como siempre digo, vídeo entretenido, que no ofrece ningún dilema a descifrar y que para pasar el rato está muy bien. Cuenta con una buena producción e interpretación del vocalista del grupo, que tiene que soportar esa prolongación del cuello de la camisa que le hacen pintándosela con pintura negra, que tal vez tenga significado para él, pero a mí me desconcierta.

Recomendación de la semana XV: “Winter” de Vancouver Sleep Clinic, indie folk basado en pianos y falsetes

Ya comentaba en la crítica que hice al Adventure de Madeon que había conocido, a raíz del álbum, en concreto del último tema que conforma su edición deluxe, a un grupo que me resultaba del todo interesante, y este no es otro que Vancouver Sleep Clinic. Habitualmente cuando hago una recomendación de este estilo, me centro en un EP o LP del artista en cuestión, pero en este caso me voy a permitir añadir una de mis producciones favoritas de este grupo, y no es otra que esta versión de Hold On We’re Going Home:

Vancouver Sleep Clinic es un grupo joven, muy joven, cuyo catálogo musical se remite a la publicación de este EP, Winter (o al menos es el único material del que me he podido adueñar e informar a partir de su web). Este grupo predica un estilo muy interesante, y es que, basándose en melodías de carácter progresivo y un falsete muy en la línea de Bon Iver, crean unos temas muy interesantes que fluctúan entre ámbitos más ambient y otros más folk melancólico, como podría ser este Flaws:

Desde luego, para quien busca una música en una temática low-key que resulte agradable de escuchar, sin duda, este Winter es un buen EP para darle una oportunidad. Desde aquí espero que lleguen lejos con este estilo indie que seguro que gana acólitos entre los fans de Bon Iver o del James Blake menos raro, pero sólo el tiempo nos lo dirá. De momento, en su página de Facebook han comentado que tienen mucha música que tienen ganas de compartir, habrá que ver si esto ocurre más temprano que tarde.

“Until We Can’t (Let’s Go)” es el último adelanto de Passion Pit que nos deja con ganas de álbum

Yo quería resistirme. Había leído en otras publicaciones acerca de este nuevo adelanto de Passion Pit, de título Until We Can’t (Let’s Go), pero yo quería resistirme. Pero quién puede no caer en la tentación cuando estás apuntado al newsletter del grupo y te envían un correo para avisarte de este estreno.

Así que me he decidido a escucharlo, y tengo que decir que no ha sido insatisfactorio. Con este tercer tema (y espero que último, porque no me está gustando esta modalidad auto-spoiler) parece terminar de confirmarse lo que parece ser la temática del álbum, y es que, teniendo en cuenta Lifted Up (1985) Where The Sky Hangs ya podemos afirmar, sin temor a equivocarnos, que de nuevo nos encontraremos ante un álbum divertido y explosivo, que si bien tiene sus momentos más introspectivos, con este nuevo adelanto queda patente que se van a difuminar estos momentos entre golpes de percusiones que invitan al baile.

Puestos a comparar, podríamos ver cierta similitud con Carried Away I’ll Be Alright, sobre todo en los estribillos, donde los falsetes de Michael Angelakos con los sintetizadores festivos podrían venirnos a recordar a aquellos temas en una versión mucho más controlada y no tan explosiva, pero aún así, sigue siendo muy bailable y animado.

En menos de un mes ya podremos hablar con más profundidad de este Kindred, que, a cada adelanto, me permiten confirmar la idea de que se trata de uno de los mejores álbumes de este 2015.