electrónica

Crítica de “FROOT” de Marina and the Diamonds: El límite entra madurez y genialidad musical no encontrado

Hablemos de Marina and the Diamonds y de su nuevo álbum. Porque sí, yo soy de aquellos que esperaba con ansia la continuación de Electra Heart, un álbum que fue para quitarse el sombrero sinceramente. Hay que elogiar tanto el estilo que me predicaba la británica como con el alter ego y el background del álbum.

Así que cuando empezaron los anuncios de FROOT, comencé a seguir la pista a este nuevo trabajo musical, y uno de estos primeros adelantos fue el tema que le da nombre al LP. FROOT es un tema con cierto toque disco bastante agradable, pegadizo y un estribillo simple que se queda con facilidad como digo. Pero este tema, desde luego, no va a marcar la temática del álbum. Al menos en parte.

Y es que este es un álbum autodestructivo. Simple y llanamente. No hace falta más que prestar una mínima atención a las letras, y mira que no lo suelo hacer pero es imposible no hacerlo, para encontrar unas letras que dicen mucho del estado actual de Marina Diamandis, o al menos, demuestra una faceta interesante en la cantante, como en el caso de Savages, que con una melodía simple que empieza algo introspectiva canta “Murder lives forever, and so does war, it’s survival of the fittest, rich agains the poor”. 

Y ese es otro aspecto a destacar de este álbum, y es que encontramos melodías alegres, o al menos, descafeinadas, donde se cantan letras bastantes profundas. Tan solo el inicio, Happy, nos demuestra esta faceta. Una balada que empieza simplemente con su voz y un piano y que acaba evolucionando en un tema que suena puramente orquestal. Pero los buenos momentos, cabe decir, que quedan un poco ahí.

Salvo ciertos momentos de lucidez, como este Happy, FROOT Blue, que tiene un teclado que le da cierto toque infantil bastante simpático, el resto del álbum suena algo lineal.

Por un lado, tenemos las melodías más descafeinadas, que si bien al cabo del tiempo no aportan demasiado, sirven para reducir la carga emocional del álbum. Melodías basadas en sintetizadores animados, percusiones simples pero que, en el caso de Can’t Pin Me Down tiene cierto toque motown/disco bastante apetecible;  o riffs de guitarra que aunque no sean los protagonistas absolutos de los temas, sí da un buen cuerpo al álbum.

Por otro lado, cabe destacar los temas más emocionales y más oscuros. Salvo Happy, la mayor parte de estos temas se encuentra en la segunda mitad del LP, con temas como Solitaire, Weeds o la increíble y cierre del álbum Inmortal, que es uno de estos temas de aplaudir, sinceramente. Tal vez no lo escuche todos los días, tal vez sólo lo escuche si me escucho el álbum entero, pero es un tema lento, que avanza con una seguridad y un crecimiento que es de alabar. Y que consigue que, en parte, olvidemos lo meh del resto del álbum.

Por último podríamos destacar los temas que se quedan diluidos en un mar de sonido muy parecido y que acaba resultando falto de originalidad. Los temas por separado sonarían muy bien, pero juntos, y al menos en la combinación en la que están situados en el álbum, hace que resulte repetitivo el álbum.

Y luego, qué decir en rasgos generales. Salvo FROOT, no encuentro melodías que se queden a la primera, o que me hayan gustado tanto. Esto no me pasó en Electra Heart, o el debut The Family Jewels. En el caso de su segundo álbum, cada canción era un mundo con melodías distintas y apuestas muy interesantes. Aún me sigo acordando de aquel State Of Dreaming y sus violines, o la simpática Primadonna. 

Pero no tenemos nada de esto en FROOT. Tenemos un álbum en el que Marina and the Diamonds muestra su madurez, tanto lírica como creativa, y esto, al menos, sí lo consigue. ¿El precio de esta madurez? El estilo de este álbum, con un meh perenne sobrevolando la mayor parte de los temas.

Y es una pena, porque no es un álbum con tantos temas como los anteriores, y es que en este caso contamos con 12 temas, pero la duración de cada una de ellos sobrepasa los 4 minutos, y entre tanta dilatación de tiempo, parece diluirse en parte la posible genialidad de estos temas. Tal vez algo más concentrados, con las ideas más claras y más diferenciadas, hubiesen funcionado bien estos temas. Pero tal vez hubiésemos perdido esa madurez de la que quería hacer gala la Diamandis. Con lo que podemos concluir en que no ha encontrado el equilibrio entre madurez y genialidad musical.

Sin más, pasemos a la calificación del álbum:

Originalidad:

-En el álbum: Como llevo diciendo, una parte animada que suena bastante bien, una parte dramática que es muy interesante, y el resto de temas que suena bastante repetitiva. 0,6/1

Con respecto al resto: Aquí tengo que clavar una lanza a favor de Marina. Y es que, por mucho que recurra al recurso de la balada, lo interpreta con un estilo propio que ya quisieran otras artistas de la escena del pop. Y la parte más animada del álbum, con esa reminiscencia disco tiene algo de precursora que no he oído, al menos demasiado, en el resto de gente. 0,75/0,75

Con respecto a lo anterior de la artista: Por suerte o por desgracia, no se parece en nada a lo que llevábamos visto anteriormente. Queda en este álbum el recuerdo y la experiencia de ser un tercer álbum, pero, como digo, no sabría decir si esto es bueno o malo. 0,75/0,75

Impresiones:

-Primera impresión: La primera mitad entró con facilidad, no os voy a engañar. Happy, FROOT I’m a Ruin forman una combinación perfecta. La mezcla se mantiene con estabilidad hasta que llegó un punto que ya me planteé dejar de escuchar el álbum, pero en la recta final me volvió a cautivar. Con todo esto, lo dejaría en un 1/1,5

Tema a tema en profundidad/Impresión general: Aquí hay que hacer ciertas distinciones. Por un lado, no hay queja posible de la producción, ya que se nota que cada tema está muy elaborado. Ahora bien, esta labor de producción queda un poco eclipsada en la globalidad de un trabajo que cansa a mitad de escucha. Y es que da rabia, porque son temas pegadizos que, como digo, funcionarían bien por separado. Pero asimismo, el hecho de haber poblado este álbum de tantos temas de este estilo sirve como arma de doble filo, que en este caso, le hace cierto daño a Marina. No hay melodías que se queden rápidamente y, salvo un par de temas, no se invita a volver a escuchar el álbum. Podríamos decir que los árboles no nos dejan ver el bosque, pero la sombra del “tú antes molabas” acecha, y mucho. Básicamente porque es verdad. 2,5/5

-Lista de reproducción y compra: No sé cuanto durarán, pero de momento FROOT Blue forman parte de mi lista de reproducción, aunque no les vea una permanencia tan larga como la de Electra Heart, pero en cualquier caso, de eso ya hemos hablado. En lo que respecta a la compra, bueno, es un álbum que apuesta, y aunque pierda, ofrece un sonido distinto al panorama actual, y aunque no sea de lo mejor que ha hecho Marina, habría que considerarlo. Pero vaya, ni fu ni fa, tengo la misma sensación con su compra que con el álbum en general. 0,6/1

Puntuación total: 6,2/10

FROOT

Análisis del vídeo de “Tear In My Heart” de Twenty One Pilots: Peleas en restaurantes asiáticos y miradas reinterpretadas

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“You know what I’m saying?”, después se fue chasqueando los dedos y con un movimiento de cadera

Hablemos de Twenty One Pilots. No sé si, alguna vez a lo largo de la historia de este blog, he hablado de este dúo conformado por Tyler Joseph y Josh Dun, cuyo estilo fluctúa entre el pop de bases electrónicas y el rap, con momentos de mucho sintetizador, mucho piano o mucha batería. En resumen, un importante y buen eclecticismo en sus temas.

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Cuando un hipster intenta reconvertirte a base de miradas indies y barbas pobladas

El caso es que este dúo salió a escena con un interesante álbum debut, Vessel, al cual le van a dar sucesor en unos meses: Blurryface. De este álbum ya conocimos un primer adelanto, Fairly Localpero hoy toca hablar del segundo tema presentado, este Tear In My Heart, que suena mucho más animado y ligero que su predecesor. En lo que respecta al tema, encontramos un fuerte peso de la fórmula que nos dieron en su álbum anterior, pero añadiéndole cierto toque de energía, vitalidad y madurez que no habíamos visto antes.

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Cuando tu cara admite muchos captions de distintas emociones

Centrándonos en el vídeo, encontramos a los integrantes del dúo en medio de un escenario asiático interpretando el tema, con un Tyler que se mueve nervioso entre el piano, el micrófono y, finalmente, en una pelea en un restaurante chino con la que parece ser su amante/amor/amiga. Suena mucho a Jackie Chan, pero el resultado no es tan espectacular como una de las escenas del actor.

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Cuando te hacen la técnica definitiva de Kill Bill y caes muerto a los 3 pasos

Como siempre digo, vídeo entretenido, que no ofrece ningún dilema a descifrar y que para pasar el rato está muy bien. Cuenta con una buena producción e interpretación del vocalista del grupo, que tiene que soportar esa prolongación del cuello de la camisa que le hacen pintándosela con pintura negra, que tal vez tenga significado para él, pero a mí me desconcierta.

Recomendación de la semana XV: “Winter” de Vancouver Sleep Clinic, indie folk basado en pianos y falsetes

Ya comentaba en la crítica que hice al Adventure de Madeon que había conocido, a raíz del álbum, en concreto del último tema que conforma su edición deluxe, a un grupo que me resultaba del todo interesante, y este no es otro que Vancouver Sleep Clinic. Habitualmente cuando hago una recomendación de este estilo, me centro en un EP o LP del artista en cuestión, pero en este caso me voy a permitir añadir una de mis producciones favoritas de este grupo, y no es otra que esta versión de Hold On We’re Going Home:

Vancouver Sleep Clinic es un grupo joven, muy joven, cuyo catálogo musical se remite a la publicación de este EP, Winter (o al menos es el único material del que me he podido adueñar e informar a partir de su web). Este grupo predica un estilo muy interesante, y es que, basándose en melodías de carácter progresivo y un falsete muy en la línea de Bon Iver, crean unos temas muy interesantes que fluctúan entre ámbitos más ambient y otros más folk melancólico, como podría ser este Flaws:

Desde luego, para quien busca una música en una temática low-key que resulte agradable de escuchar, sin duda, este Winter es un buen EP para darle una oportunidad. Desde aquí espero que lleguen lejos con este estilo indie que seguro que gana acólitos entre los fans de Bon Iver o del James Blake menos raro, pero sólo el tiempo nos lo dirá. De momento, en su página de Facebook han comentado que tienen mucha música que tienen ganas de compartir, habrá que ver si esto ocurre más temprano que tarde.

“Until We Can’t (Let’s Go)” es el último adelanto de Passion Pit que nos deja con ganas de álbum

Yo quería resistirme. Había leído en otras publicaciones acerca de este nuevo adelanto de Passion Pit, de título Until We Can’t (Let’s Go), pero yo quería resistirme. Pero quién puede no caer en la tentación cuando estás apuntado al newsletter del grupo y te envían un correo para avisarte de este estreno.

Así que me he decidido a escucharlo, y tengo que decir que no ha sido insatisfactorio. Con este tercer tema (y espero que último, porque no me está gustando esta modalidad auto-spoiler) parece terminar de confirmarse lo que parece ser la temática del álbum, y es que, teniendo en cuenta Lifted Up (1985) Where The Sky Hangs ya podemos afirmar, sin temor a equivocarnos, que de nuevo nos encontraremos ante un álbum divertido y explosivo, que si bien tiene sus momentos más introspectivos, con este nuevo adelanto queda patente que se van a difuminar estos momentos entre golpes de percusiones que invitan al baile.

Puestos a comparar, podríamos ver cierta similitud con Carried Away I’ll Be Alright, sobre todo en los estribillos, donde los falsetes de Michael Angelakos con los sintetizadores festivos podrían venirnos a recordar a aquellos temas en una versión mucho más controlada y no tan explosiva, pero aún así, sigue siendo muy bailable y animado.

En menos de un mes ya podremos hablar con más profundidad de este Kindred, que, a cada adelanto, me permiten confirmar la idea de que se trata de uno de los mejores álbumes de este 2015.

Tame Impala vuelven a ganarme, esta vez con su nuevo single “Cause I’m A Man”

Como ya dije cuando tocó hablar de Let It Happen, no conocía a Tame Impala, y este single de su nuevo álbum, del cual ya sabemos que va a llevar de título Currents, el cual tiene una portada muy en la línea de aquel primer single, y cuyo motivo se sigue repitiendo en este nuevo adelanto: Cause I’m a Man

Este tema rompe totalmente con Let It Happen en lo que a tempo se refiere, ya que se trata de un corte calmado, que si bien lleva la misma estética de fantasía toques siderales psicodélicos de aquel primer adelanto, es una canción tranquila. Una canción con la que dejarse llevar al ritmo de los agudos de Kevin Parker y la línea de bajo tan potente que protagoniza la melodía.

Como me gustan mucho las comparaciones y hace muchas entradas que no hago una, podríamos decir que es el resultado de un baile de instituto americano, de estos en los que las parejas bailan más pegados, si se celebrara en el espacio. O en los 80 con Rick Astlley en versión experimental, coged la comparación que más os guste.

Si me tuviera que quedar con uno de los dos adelantos, mi voto sigue yendo a Let It Happen, porque a pensar de sus 7 minutos de duración, Tame Impala consigue hacérmelos escuchar sin ningún problema. Cause I’m a Man rompe con los esquemas que ya me había figurado con ese primer single, pero habrá que ver el resultado global y el lugar que ocupa este nuevo adelanto. Solo Tame Impala sabe el resultado final.

Crítica de “Adventure” de Madeon: sintetizadores multicolores en clave de 8-bit

Hoy toca hablar de talento joven. Y además de un talento muy especial, porque si alguien como Madeon ha contado para este LP con nombres pesados como Passion Pit, Dan Smith y Mark Foster como colaboradores algo especial tendrá. Y creedme, escuchando este álbum, se puede afirmar.

Bajo el nombre artístico de Madeon encontramos a Hugo Leclercq, artista que cuenta con apenas 20 años pero que hemos estado disfrutando de su producción en diferentes remixes, como aquel que hizo de Smile Like You Mean It de The Killers o en producciones propias como Changing Of The Seasons de Two Door Cinema Club.

Pero en cualquier caso, ahora podemos hablar de él como artista propio, y es que en Adventure ratifica su imagen, su estilo y toda la madurez que ha ido adquiriendo de ir trabajando aquí y allá. Los tres primeros temas del LP caen redondos, y es que desde la introducción al álbum, de título Isometric ya vemos lo que nos vamos a encontrar: explosiones de sintetizadores multicolores y percusiones que arrasan con un toque entre lo light dubstep y el EDM más ligero. You’re On, donde cuenta con la colaboración de Kyan, expone un interesante juego de modulación de voz que enseguida hará que se te quede el estribillo. OK no es más que la cara B de el tema que le precede, ya que lleva un estilo muy parecido pero careciendo de parte vocal.

Aquí habría que decir algo, ya que aparecen los dos puntos entre los que nos vamos a mover en el álbum, dos partes, dos mitades. Por un lado, la parte de los temas con vocals, que básicamente son las colaboraciones con los cantantes y citados y alguna excepción en la que participa el propio Madeon cantando. En cualquier caso, en estos temas encontramos una clara impronta de los artistas participantes; ya sea por los toques de percusión que marcan el ritmo de forma tan intensa de La Lune, con Dan Smith, vocalista de BastillePay No Mind que podría ser un remix de un tema de los propios Passion Pit ante la alegría que desprende y la ligereza en lo que a sintetizadores dance se refiere. Por último, ese Nonsense con Mark Foster suena bastante interesante, el juego vocal podría recordar a algún tema de su Supermodel, pero es en el que menos se nota la aportación.

Nos quedan dos colaboraciones más, con unos artistas que, si bien no tienen el peso de los nombrados anteriormente, dan un toque muy interesante al LP. Hablamos de Innocence con la banda británica Aquilo donde el ritmo se relaja, se introduce el elemento del piano que le da cierta originalidad al tema. Es de los temas más easy-listenings de este álbum. Y por último, tenemos que hablar de Only Way Out con  Vancouver Sleep Clinic, aunque parezca que esté cantando Bon Iver (espero hablar de este grupo porque los he escuchado y son muy interesantes). En este tema, no tenemos drops, tenemos un pase de momentos más tranquilos a otros más R&B que a su vez nos llevan a momentos donde progresa la melodía aumentando de intensidad hasta llegar a un final entre lo explosivo y lo relajado, un muy buen cierre de álbum. En esto se nota la influencia de música progresiva del grupo con el que colabora Madeon, pero ya hablaremos de ellos largo y tendido.

Hoy toca hablar de talento joven. Y además de un talento muy especial, porque si alguien como Madeon ha contado para este LP con nombres pesados como Passion Pit, Dan Smith y Mark Foster como colaboradores algo especial tendrá. Y creedme, escuchando este álbum, se puede afirmar.

Bajo el nombre artístico de Madeon encontramos a Hugo Leclercq, artista que cuenta con apenas 20 años pero que hemos estado disfrutando de su producción en diferentes remixes, como aquel que hizo de Smile Like You Mean It de The Killers o en producciones propias como Changing Of The Seasons de Two Door Cinema Club.

Pero en cualquier caso, ahora podemos hablar de él como artista propio, y es que en Adventure ratifica su imagen, su estilo y toda la madurez que ha ido adquiriendo de ir trabajando aquí y allá. Los tres primeros temas del LP caen redondos, y es que desde la introducción al álbum, de título Isometric ya vemos lo que nos vamos a encontrar: explosiones de sintetizadores multicolores y percusiones que arrasan con un toque entre lo light dubstep y el EDM más ligero. You’re On, donde cuenta con la colaboración de Kyan, expone un interesante juego de modulación de voz que enseguida hará que se te quede el estribillo. OK no es más que la cara B de el tema que le precede, ya que lleva un estilo muy parecido pero careciendo de parte vocal.

Aquí habría que decir algo, ya que aparecen los dos puntos entre los que nos vamos a mover en el álbum, dos partes, dos mitades. Por un lado, la parte de los temas con vocals, que básicamente son las colaboraciones con los cantantes y citados y alguna excepción en la que participa el propio Madeon cantando. En cualquier caso, en estos temas encontramos una clara impronta de los artistas participantes; ya sea por los toques de percusión que marcan el ritmo de forma tan intensa de La Lune, con Dan Smith, vocalista de BastillePay No Mind que podría ser un remix de un tema de los propios Passion Pit ante la alegría que desprende y la ligereza en lo que a sintetizadores dance se refiere. Por último, ese Nonsense con Mark Foster suena bastante interesante, el juego vocal podría recordar a algún tema de su Supermodel, pero es en el que menos se nota la aportación.

Nos quedan dos colaboraciones más, con unos artistas que, si bien no tienen el peso de los nombrados anteriormente, dan un toque muy interesante al LP. Hablamos de Innocence con la banda británica Aquilo donde el ritmo se relaja, se introduce el elemento del piano que le da cierta originalidad al tema. Es de los temas más easy-listenings de este álbum. Y por último, tenemos que hablar de Only Way Out con  Vancouver Sleep Clinic, aunque parezca que esté cantando Bon Iver (espero hablar de este grupo porque los he escuchado y son muy interesantes). En este tema, no tenemos drops, tenemos un pase de momentos más tranquilos a otros más R&B que a su vez nos llevan a momentos donde progresa la melodía aumentando de intensidad hasta llegar a un final entre lo explosivo y lo relajado, un muy buen cierre de álbum. En esto se nota la influencia de música progresiva del grupo con el que colabora Madeon, pero ya hablaremos de ellos largo y tendido.

Y ya parece que la originalidad se le acaba ahí, en parte. La segunda parte que conforma este álbum está formada por los temas sin parte vocal, enfocados más al synthpop de toques 8-bits retro que, si bien son interesantes, llega un momento en el que resulta algo repetitivo. O por lo menos, no permite encontrar una diferenciación temática, sino que estos temas son algo más parecidos entre ellos y me deja cierto sabor agridulce, ya que a pesar de que suenan bastante bien cada uno de estos temas, al final su sonido acaba mezclándose entre ellos en un mar de sintetizadores descafeinados y percusiones pegadizas.

En cualquier caso, no deja de ser un muy buen trabajo debut de este productor francés con muy buenas perlas y un muy buen sonido que se aleja del EDM mainstream, es decir, que tiene originalidad. Encontramos ciertas similitudes con Owl City Daft Punk en algunos momentos, se aleja del dance actual como de Calvin Harris o David Guetta.

Pasemos a la valoración del álbum.

Originalidad

-En el álbum: Como digo, dos mitades en el álbum: la original, que es la de las colaboraciones, y la de Madeon por sí mismo, que en un principio suena muy bien pero que al final se acaba difuminando los límites entre un tema y otro que acaba chirriando en parte. 0,7/1

Con respecto al resto: Esta mezcla de sintetizadores algo 8-bit con synthpop podría ser una evolución del sonido de Daft Punk por un muy bien camino. Pero acaba tomando un camino diferente implantándole una impronta bastante interesante, con un sonido que se aleja a lo que encontramos habitualmente en las listas. 1/1

Impresiones

Primera Impresión: “Wow”, está fue más o menos mi impresión al acabar de escuchar el álbum. Me gustó como pasaba de partes más animadas a otras más tranquilas, pero que no se nos olvide con quien estamos tratando, y es que al final Madeon acaba animando la escena a golpe de sintetizador. Me pareció genial en un primer momento. 2/2

-Tema a tema en profundidad/Impresión General: En lo que respecta a producción, impresionante trabajo del francés. Ahora, pasando a un plano general, hay que decir que me pesa mucho esa falta de originalidad entre esos temas de la segunda mitad. Llega un momento que dices “¿Otra vez?” pero, como digo, las melodías son muy atractivas. En resumen, podríamos decir que hay una de cal y otra de arena. Pero creo que con un 3,7/5 vamos bien.

Lista de reproducción y compra: Desde luego, hay temazosPay No Mind es de mis favoritos, y la colaboración con Mark Foster es más que interesante, así que sin duda, se encuentran estos temas en mi lista de reproducción. Ahora, si nos centramos en la compra del álbum, no lo tendría tan claro. Es un disco muy interesante para ser un debut, con un sonido muy bueno, pero de ahí a comprarlo… 0,8/1

Puntuación Total: 8,2/10

Adventure (Deluxe)

SBTRKT estrena nuevos temas en su Soundcloud, ¿nuevo álbum a la vista?

Desde luego, SBTRKT fue uno de mis descubrimientos de este pasado año. Por casualidad (aunque más bien, porque lo regalaban en iTunes) me descargué Temporary View, tema de su más reciente LP Wonder Where We Land. Y a raíz de aquel tema me escuché el álbum entero para descubrir a un productor muy interesante que se movía entre la electrónica dance, los 8-bits y toques de R&B.

Mi descubrimiento se quedó en eso, ya que tampoco he llegado a escuchar nada más aparte de este álbum…hasta ahora. Y es que SBTRK ha publicado cuatro temas (a fecha de hoy) en su página de Soundcloud, que llevan la línea más animada de su Wonder Where We Land, con percusiones rápidas y efectos de sintetizadores que vienen y van. Todos ellos instrumentales, parece que no hay lugar para una parte vocal como en New Dorp New York que encabeza este párrafo.

En cualquier caso, son temas que son animados y bailables. No ofrecen nada nuevo y tampoco algún elemento que haga llamar la atención, así que todo apunta a que sean descartes o caras B de su último trabajo, aunque quién sabe con los que nos puede sorprender el productor enmascarado. Por lo que a mí respecta, me quedo con nO less, que lleva cierto toque de house y un tempo tranquilo que sumado a unos sintetizadores que incrementan su intensidad en los estribillos hace que sea este un tema fácil de llevar.

Análisis del vídeo de “Lifted Up (1985)” de Passion Pit: Un rave indie con mucha luz y color

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Cuando intentas fijar la mirada en el objetivo y acabas mirando a Cuenca

Que cualquier novedad de Passion Pit se espera con ansia no es ninguna sorpresa. Y es que se recibieron con ganas los dos primeros adelantos que tuvimos del tercer álbum de este grupo y, hoy, tenemos la misma sensación para con el estreno del vídeo de Lifted Up (1985), que lleva el estilo de la canción: mucha luz y mucho despliegue de colores que, en primera instancia, choca.

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Cuando intentas estar tranquilo mientras te mira un stalker

En el vídeo nos encontramos con un Michael Angelakos en medio de una pista de baile donde se entremezclan los toques de oscuridad con los de plena claridad, creando momentos algo incómodos para el espectador, al haber tanto destello indiscriminado. En cualquier caso, quiero destacar algo original en este vídeo: la forma en la que se plasma algo tan simple como una fiesta.

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Cuando te tiran una foto y no estabas preparado

Y es que hay que destacar dos aspectos. Por un lado, el constante primer plano del vocalista de Passion Pit y por otro el juego de luces que se establece, con difuminados y demás. Tras esta apariencia simple encontramos una realización compleja que se puede apreciar si se presta atención.

En lo que respecta a un trasfondo del vídeo, poco se puede sacar. Tal vez cierta complementación de la letra en lo que respecta a la parte en la que pone de manifiesto su carácter psicológico en el que debate sus problemas sentimentales, y tal vez el vídeo sea una forma de transmitir el hecho de estar sufriendo interiormente mientras el resto disfruta, llegando un momento en el que al final, o bien te incorporas al resto, o bien actúas sin que al resto le importe.

En cualquier caso, es un vídeo animado y dinámico, que consigue atraer la atención del espectador. Una buena muestra de lo que nos puede ofrecer el LP completo. Falta un mes para ver si estamos en lo cierto.

Crítica de “Our Love” de Caribou: Música retro adaptada a los sonidos actuales

Antes de empezar, tendría que dar gracias a Caribou, su discográfica o quién sea, por haber re-editado su álbum de 2014 Our Love y darme la excusa para poder escucharlo ahora y hacer su crítica. Que básicamente se va a resumir en criticar a la edición original, ya que esta nueva edición añade 7 temas nuevos a los 10 ya existentes, basados principalmente en remixes o alguna que otra versión extendida.

En cualquier caso, tenía referencia 0 de Caribou. Lo único que escuché de él antes de este Our Love fue un tema suyo en la BBC Radio al que ni presté atención ya que estaba haciendo tiempo hasta que se estrenase What Kind Of Man de Florence and the Machine. En cualquier caso, lo poco que saqué de aquel tema me gustó. Vi una electrónica algo retro pero muy apetecible, así que me dispuse a escuchar su álbum.

Así que, como digo, me dispuse a escuchar el álbum de un artista del que no tenía ninguna referencia, pero nada más abrir con este Can’t Do Without You, pude comprobar que no me había equivocado. Un tema que se pega fácilmente, con una melodía que se va a animando pasando de niveles más lo-fi a otros más intensos, donde los sintetizadores cobran el máximo protagonismo con una percusión que evoluciona en su sonido y una parte vocal que recuerda a Tame Impala y una simplicidad en letra que combina con la esencia de la melodía sobre la que se basa el tema.

Y es que este Our Love es un compendio de temas con unas melodías que juegan entre lo analógico y los sintetizadores más clásicos que encuentran su reminiscencia en la década de los 80. Encontramos melodías que empiezan débiles, algo oscuras y que acaban desarrollando un buen cuerpo, como es el de Our Love, o temas que juegan con las partes vocales como es en Dive y sus momentos de contraste/transición de melodía, o Second Chance, con una vocalista femenina que bien podría haber salido de un tema de Mariah Carey, con unos agudos y una fragilidad que contrastan con los sintetizadores fuertes que protagonizan el tema.

Otro ejemplo que me parece digno de mención es Julia Brightly, que es una versión diluida del techno de los 90, conseguido a base de reducir el peso de la percusión e introduciendo sintetizadores que aportan claridad a base de cambios de intensidad y barrer la melodía cada intervalo de tiempo corto.

Es un álbum muy bien cohesionado, donde no hay grandes saltos entre los temas, pero esto no impide que se permitan distinguir. Por otro lado, quitando ese Can’t Do Without You, es complicado encontrar otro tema que despunte entre el resto, que le veas con posibilidades de single o con capacidad para incitarte a escucharlo de forma más “diaria”. Quiero decir, es un disco que, de apetecer escuchar alguno de sus temas, es escucharlo entero. Me gusta el estilo retro que derrocha este álbum, y la evolución de los sintetizadores a la hora de someterlos a efectos que hace Caribou, pero lo veo un disco algo descompensado. Quiero decir, tenemos ese estupendo tema que abre el álbum, pero el resto ya es intentar seguir con un álbum que, habiendo alcanzado su cota más alta al inicio, es complicado que vuelva a superarse. No es que caiga en saco roto los 9 temas restantes, de hecho, encontramos puntos muy interesantes; pero ya no hay nada que hacer.

Sin más, pasemos a la valoración del álbum:

Originalidad

En el álbum: Como digo, se mantiene en un marco de sintetizadores retro que llevan el mismo estilo, pero cada tema tiene su toque interesante que permite diferenciarlo del resto sin dificultad. 1/1

Con respecto al resto: Si bien hay una clara tendencia de recuperar sonidos de los 80 en el panorama actual, no encuentro una inmersión como esta en publicaciones actuales. En cierto modo, en lugar de ser música actual intentando ser antigua, lo veo como música de los 80-90 intentando adaptarse a la actualidad, lo cual lo veo una apuesta muy interesante y que, sin duda, ha funcionado conmigo. 1/1

Impresiones

Primera impresión: Ya he dicho que Can’t Do Without You me dejó sin palabras. Si bien después seguía una serie de temas que bajaban el clímax alcanzado al principio, me pareció que remontaba hacia el final del álbum, con Your Love Will Set You Free un interesante cierre. 1,5/2

Tema a tema en profundidad/Impresión general: Al César lo que es del César. En este Our Love no encontramos simplemente progresiones de acordes en sintetizadores y ya, si no que encontramos así mismo una evolución sonora en los efectos de estos instrumentos que denotan un buen trabajo de producción. Ya no solo el hecho de que se ven melodías interesantes que gustan en conjunto, sino que se ven un trabajo arduo bien hecho. En técnica no podría sacarle ningún defecto, y en conjunto es un disco que me ha gustado bastante. No tengo nada con lo que basarlo, pero per se, es un álbum que funciona, con sus altibajos pero prevalecen más los altos que los bajos. 4,5/5

Lista de reproducción y compra: Me voy a repetir hasta la saciedad, pero de momento Can’t Do Without You va de cabeza a mi lista de reproducción general, tal vez incluya Your Love Will Set You Free, que me parece una de las progresiones más interesantes, empezando algo frío pero que acaba en un clímax muy bueno para cerrar el álbum. En lo que respecta a la compra, me parece un álbum novedoso con un sonido fresco. No resulta ni tan pesado con la atmósfera retro en la que se mueve ni tan flojo como las producciones electrónicas actuales que se mueven por este género. 1/1

Puntuación total: 9/10

Our Love (Expanded Edition)

Recomendación de la semana XI: “Understudy” de Låpsley, synthpop delicado bañado de tintes de James Blake

Ya sabéis, lo comenté hace unas entradas ya, que me hice una lista con una serie de lanzamientos que se iban a producir este 2015, y el primero de ellos era el de Låpsley, y su EP que lleva el título Understudy y que, desde luego, es una auténtica delicia:

Es un EP de cuatro temas, que se suman al resto de lanzamientos similares que ha tenido esta joven cantante británica. Pero en lo que respecta en concreto a este Understudy. Son temas en los que se entremezclan sintetizadores que se encargan de dar la cimentación melódica a los temas sobre los que encontramos un apartado vocal que juega entre la naturalidad y los procesamientos de la línea de James Blake en su primer álbum, por no hablar de la percusión, totalmente en la línea del R&B electrónico que prodiga el cantante de Retrograde.

Temas como Falling Short donde encontramos el protagonismo del piano, o Brownlow donde lo protagonizan sintetizadores que se van clarificando conforme evoluciona la melodía. 8896 lleva la línea del R&B que escucharíamos en Zara o en Massimo Dutti, y Dancing nos invita más a reflexionar que a “bailar”, pero me encantan las contraposiciones de vocal normal y vocal alterado bajándole el tono. Me parece una apuesta muy interesante que, como digo, sigue la línea de James Blake.

Habrá que tener un ojo puesto en esta británica, de la que espero lance su álbum debut no demasiado tarde.