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Flos Mariae y su visión low cost/indie del “Christian Pop”

Antes de empezar, sí, sé que existe el término pop cristiano, pero quería hacer la broma, al igual que la primera impresión que tuvimos todos al ver a las hermanas Bellido Durán.

Empecemos. Si has tenido un contacto mínimo con la sociedad, ya sea por medio de la televisión o internet, no habrás podido esquivar alguno de los videos de Flos Mariae. Pero, ¿quiénes son estas hermanas y sus vestidos ostentosos?

Flos Mariae es un “grupo” de “pop cristiano” que surgió entre las hermanas Bellido Durán (sí, las siete que aparecen son hermanas, de un total de trece) por una promesa: si su madre se curaba de la enfermedad que la atenazaba en aquel momento, formarían un grupo dedicado a pregonar el cristianismo. Con mejor o peor resultado, pero lo hicieron.

Con unas bases y melodías simples a golpe de bucles de Garageband, se entremezclan los gorgoritos de estas siete hermanas, creando canciones tan famosas parodiadas como Amén Don’t Worry, ambas con dos de los versos más contundentes de la carrera de las hermanas:

Como una loncha de quezo en un zándwich prezo” – Transcripción del verso que abre Amén.

Jesus and you are one, you’re life will be better, you’re not alone, since since December” – Esa pronunciación de since como /sains/ ha marcado a mucha gente. Extracto del rap que corona Don’t Worry.

Esto se quedaría en una mera anécdota graciosa si no fuera por los vídeos, de la misma calidad que las voces de estas jóvenes niñas. Con unos “efectos especiales” recién sacados del Movie Maker entremezclado con la temática de alguna película de Serie B ochentera, donde si sumamos los bailes (o la ausencia de ellos en algunos vídeos) con los modelitos que sería el resultado de mezclar a una Princesa Disney con resaca.

Pero, ¿cómo llegaron al panorama mediático? Esa respuesta la encontraremos en Buenamente, quien comenzó a presentarlas en su programa En El Aire haciéndose mofa de ellas. Mofa que no tardaron en responder las hermanas en un comunicado oficial, lo que no hizo parar a Andreu Berto Romero.

Y por último, ¿cuánta producción musical llevan las amigas? Pues suman la friolera de dos discos (por denominarlo de algún modo) que suman casi los 100 minutos de música, a lo que habría que sumarle las canciones infantiles y otros proyectos del nuevo género musical MBD (siglas que corresponden a la hermana mayor y líder del grupo).

Lo que está claro es que, si a pesar de las críticas y las burlas, no han parado, no habrá nada que lo haga. Una promesa es una promesa y están dispuestas a cumplirla. Aunque eso suponga que una parte de Josie y otros estilistas muera cuando ven los modelos que llevan en cada vídeo.

10 propuestas musicales para el verano

Ya hablaba en la última entrada acerca de mi reticencia a las canciones del verano y a su falta de originalidad. En fin, las canciones que voy a presentar ahora no suponen una novedad extrema y probablemente algunas ya las conozcáis, pero siempre viene bien que nos recuerden buenos temas para airear nuestras bibliotecas musicales:

1: A Sky Full Of Stars – Coldplay

Mi primera propuesta es ya conocida. Por un lado, ya hablaba de ella en un post anterior, y por otro lado es un tema del Ghost Stories que ha tenido buena acogida en listas, así que, no voy a hablar más de él:

 

2: Money On My Mind – Sam Smith

Con este single, Sam Smith nos daba un adelanto de su debut que se estrenaría a finales de Mayo. Una base algo electrónica pero de raíces Neosoul que se nos pegará y un estribillo con unos falsetes difíciles de olvidar:

 

3: Best Friend – Foster The People

El nuevo single extraído de Supermodel. Cuando a los de Mark Foster les preguntaban dónde quedaban temas como Helena Beat Pumped Up Kicks de su debut Torches, ellos los remitían a este tema animado. Junto a Are You What You Want To Be? son de mis canciones favoritas del álbum:

 

4: Pumpin Blood – NoNoNo

Esta canción es el single de presentación del grupo indie sueco NoNoNo, y ha que decir que está siendo bien aclamada en el panorama musical y ha protagonizado la banda sonora de algunos anuncios. Junto a la versión original dejo un remix de la misma producido por The Chainsmokers, que le da un toque dance/house muy interesante:

 

 

5: Fever – The Black Keys

Quería introducir un toque algo más rockero y, ¿qué mejor que el tema que da nombre al nuevo trabajo de The Black Keys? Batería simple y concisa y una línea de sintetizador fácil de seguir y difícil de olvidar, una combinación muy buena para este verano:

 

6: Scream (Funk My Life Up) – Paolo Nutini

Paolo Nutini vino a mí como una recomendación, y cuando escuché este tema no me pude desenganchar de él. De nuevo, un toque de Neosoul bien pegadizo entremezclado con la voz rasgada de Nutini en una melodía muy agradable de escuchar:

 

7: Dreaming – Smallpools

Sí, de Smallpools ya hablé en otra ocasión en el blog, pero no me podía olvidar de este Dreaming, cuya melodía basada en sintetizadores, punteos de guitarra eléctrica y rasgos muy al estilo de Passion Pit suena totalmente a verano:

 

8: The Walker – Fitz and The Tantrums

Bajo un sonido que parece sacado de los 70, Fitz and The Tantrums nos presenta una melodía animada, con un silbido muy característico que seguro que acaba enganchando a más de uno:

 

9: Jealous (I Ain’t With It) – Chromeo

El dúo de electro-funk proveniente de Canadá se marcan un tema que pisa fuerte en las listas y sorprende a sus oyentes, pero sorprende aún más el buen remix producido por The Chainsmokers. Como ya hicieran con NoNoNo, se encargan de darle una visión más dance de un tema de origen funk:

 

10: D-D-Dance – The Royal Concept

También hablaba de este grupo sueco en una entrada del blog de hace tiempo, pero no quería dejar en el tintero este tema que re-descubrí de ellos. Digo re-descubrí porque el tema cuenta con 2 años desde que fue estrenado, pero aún así cuenta con unos riffs de guitarra que no se pueden ignorar y que, si no formaron parte de la banda sonora de mi verano de estos dos últimos años, si lo será de este:

Análisis del vídeo de “90’s Music”, nuevo single de Kimbra

¿Os acordáis de Kimbra, cantante Neozelandesa, aquella que fue cómplice junto con Gotye de que Somebody That I Used To Know estuviera en nuestra cabeza durante una larga temporada? Como siempre afirmo, un cantante es algo más que una canción conocida o de éxito, y es que Kimbra lanzó en el mismo año en el que colaboró con el cantante de Hearts a Mess su álbum début Vows, una obra fantástica donde mezcla tintes de synthpop con toque de Neo-soul dando muestras de un gran rango vocal.

Pero no es este álbum, ni ninguna de las canciones que contiene, el que nos interesa en esta entrada. Lo que interesa es que Kimbra vuelve a las andadas con un anunciado nuevo álbum, The Golden Echo, del que ya se ha extraído un primer single y vídeo, 90’s Music.

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Bonito comienzo con su unicornio, delfín y demás pegatinas de los 90’s.

Ya el primer fotograma nos adelanta lo que nos vamos a encontrar en este vídeo de 90’s Music, además de una canción que, a mi primera escucha la odié, a la segunda me forjé un “meh” en mi opinión y a partir de la tercera no puedo evitar quitarme la melodía de la cabeza (aunque no me gusta nada la base rítmica, tan solo el estribillo con los toques de sintetizador que me recuerdan a su antaño Vows); un vídeo cuya temática va versar en torno a esta década: desde escenarios, a vestuario de los bailarines como a gestos y animaciones varias.

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Cuando menos te lo esperes, Kimbra sacará una secuela y te quedarás así.

En general, el vídeo se desarrollará en diferentes sets del tamaño del que encontramos en la foto superior, donde el diseño pasará de éste a otro en forma de ajedrez gigante que podría engullirte en cualquier momento. Entre los bailarines, destacar a Nick Slick Stewart, por sus flexibles extremidades que no pueden evitar que me acuerde del Papaoutai del belga Stromae.

De quien no puedo evitar acordarme asimismo es de Lilly Allen, sería un vídeo muy de su estilo, para ser una reversión del Hard Out Here faltaría a ella haciendo la parodia del twerking, porque peinados y estilismo ya lo tenemos.

Captura de pantalla 2014-06-04 a la(s) 17.40.40Este fotograma es incomentable, tiene demasiado para sintetizarlo en una frase.

Desde luego, si el objetivo de la neozelandesa era llamar la atención, lo ha conseguido. Ya sea por el vídeo como por la canción, no hay duda de que este 90’s Music ha vuelto a poner a Kimbra en el foco de mira, esta vez dando una imagen más independiente, sin tener que estar a la sombra de un artista como Gotye. Aunque eso sí, la “responsabilidad” de la existencia de este tema se la tenemos que otorgar a Matt Bellamy, cantante y líder de la banda Muse, además de a Mark Foster, cantante y líder de Foster The People (fuente, en este enlace).

Captura de pantalla 2014-06-04 a la(s) 17.41.22¡Rápido, que alguien traiga al ser un Garnier Fructis para el pelo encrespado!

En fin, quien sabe que nos encontraremos en la secuela de Vows. Si sigue por esta rama, encontraremos a una Kimbra nueva, más madura, que prefiero experimentar y explorar nuevos caminos. Una persona que se la juega, que no es amante del “más vale malo conocido que bueno por conocer“. En cualquier caso, después de este análisis (que, por las fotos, ha sido más bien una crítica, al uso del término), dejo finalmente el vídeo, juzgad por vosotros mismos:

Estreno de “Beautiful Time”, nuevo single de Owl City

Beautiful Times - SingleCinco años. En Julio se cumplen cinco años del lanzamiento del álbum que lanzó a la fama a Owl City, nombre bajo el que se esconde el productor/músico/cantante Adam Young; y es que, Ocean Eyes fue un éxito más de lo buscado. Todo el mundo habrá escuchado alguna vez a lo largo de estos cinco años la conocida Fireflies, o también otras muy buenas canciones del LP como Vainilla Twillight Hello Seattle.

Pero, muy a su pesar, el éxito mundial le vino sólo en este álbum, y sus trabajos posteriores alcanzaron éxito escaso, aunque tuvieran una producción más madura fruto de la experiencia. Destacar el caso de All Things Bright And Beautiful, que lo encuentro un trabajo maravilloso con temas más trabajados y, personalmente, que me gustan más, pero que sin embargo no captaron el foco de la popularidad. Despuntó en 2012 con The Midsummer Station y la canción Good Times, que contaba con la colaboración de la también conocida Carly Rae Jepsen, y esto le permitió volver a la circulación musical internacional y a que su música siguiera sonando en las radios.

Algo así comienza contándonos Young como preámbulo para la presentación de su nuevo single, Beautiful Times (bueno, en realidad sólo lo de los cinco años desde Ocean Eyes, pero ya me he emocionado y creo que merecía un prólogo completo). El single, que se puede conseguir de forma gratuita a través de su página web una vez jugado un simple juego en el que un barco tiene que llegar a un faro, lleva la línea tan buscada por sus fans del LP que le dio fama, con algunos tintes del dubstep por los que se dejo influir en su último disco. Asimismo cuenta con la colaboración de la violinista Lindsey Stirling. Una mezcla, que de algún modo, intenta resumir lo que le ha supuesto al de Minessota ser Owl City durante más de cinco años. Aquí el enlace para descargarse la canción.

¿Qué nos deparará este año Owl City? Pues como él mismo comenta, una serie de EPs consecutivos de los que, seguramente, podamos encontrar el estilo que tanto nos encariñó en Ocean Eyes y que ha ido madurando y mejorando con el resto de sus producciones.

“¿Por qué te compras los discos si los tienes gratis por Internet?”

La pregunta que encabeza el título es una que me la suelen hacer a menudo, y supongo que a mucha otra gente que también gaste en música, buscan la razón por la que compro música, esa industria tan maltratada en nuestros tiempos. De precios altos e intereses bajos.Discos-de-Vinilo

 ¿Por qué no?, respondo. La respuesta fácil es la de es mi dinero y hago con él lo que me da la gana. Pero sonaría muy borde, y la entrada se quedaría en cinco líneas, así que voy a dar otra serie de razones.

La música es un sector que, aunque ahora este de capa caída en comparación con décadas anteriores, siempre está presente en nuestra vida. Desde el ritmo de esa canción que nos gusta tanto que interpretamos sobre la mesa hasta la más grande de las composiciones.

Tiene una fácil accesibilidad. Puedes ir desde cualquier gran almacén/hipermercado decente a tiendas de música en sí, que siempre vas a encontrar discos. De acuerdo, puede que no encuentres el disco que tanto tiempo llevas buscando, pero siempre tenemos la alternativa Amazon y sus grandes precios, o las plataformas digitales como iTunes. No hay excusa en lo que accesibilidad se refiere.

Personalmente, uso iTunes para la compra de música para algún que otro EP que no haya o no pueda conseguir en formato físico. Prefiero este medio para la compra y escucha, de la otra manera no siento como si hubiera comprado algo, pero en fin, es una opinión que no me pone en contra de este gran medio donde puedes encontrar música y estilos inimaginables

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Y ahora llegamos al tema más peliagudo: el precio de la música. ¿La música es cara hoy en día? La respuesta es clara: Sí.

¿Es razonable este precio? También. Nunca se considera todo el equipo que hay detrás de la creación de un álbum, desde el artista que tiene la primera idea hasta los productores o los medios por los que se produce el álbum.

¿Esto es excusa para que un disco nuevo te pueda costar, perfectamente 18 euros? No del todo, pero esto nos devuelve a aquella entrada en la que hablaba de Wert y el Cine. Y es que, en ambos medios el IVA está extremadamente caro, lo que hace que mucha gente no opte por gastar en cultura y, en su lugar, se lo descargue de la red.

Pero, entonces, si apoyas la idea de que la música es cara y que, parte de ese precio, está injustificado por los abusos (incongruentes, porque luego se quejan del escaso gasto en cultura de este país) de los impuestos, ¿por qué compras música?

Bueno, el alcohol es caro y la gente bebe y sale de fiesta siempre que puede. La gente me dice que gastar en música es un desperdicio, pero ni bebo, ni fumo y no salgo, gastos que si que considero superfluos y totalmente innecesarios. Al menos la música es algo que se revaloriza en el futuro, pero un hígado atrofiado por el alcohol no es muy buena inversión, a mí parecer.

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También, podría destacar los diferentes ambientes. Que sí, que en una fiesta te lo puedes pasar fenomenal, pero para el que le gusta la música, el ambiente en una tienda de discos o cualquier lugar especializado es algo especial. Es un sitio donde se comparten preferencias y artistas, donde gente con gustos distintos (lo tenía que colar en alguna entrada, lo siento) intercambian preferencias. Son sitios para estar a gusto, donde puedes pasar un rato distendido, hablando de música, porque sabes que la gente que está allí también comparte ese gusto por la música, por lo que este tipo de conversaciones son muy agradecidas, al fin y al cabo.

Con esta entrada no pretendo convencer a nadie que se dedique a comprar música (que ojo, no vendría mal, que la situación lo necesita), sólo quería mostrar un punto de opinión diferente, que seguro que muchas otras personas lo comparten conmigo.

Para finalizar, destacar que a todos nos gusta la música (diferentes estilos a cada uno, pero eso es lo de menos), y si la gente no compra música, la industria se ralentizaría bastante, por lo que, en cierto modo, los que compramos música, la estamos salvando.

Crítica: ‘Reflektor’, lo nuevo de Arcade Fire, ¿la espera ha merecido la pena?

Reflektor

La semana anterior llegaba a tiendas el nuevo disco de Arcade Fire, Reflektor‘, precedido por el single que le da nombre al álbum y que, por cierto, es el tema más largo del LP (sin contar el último tema, que incluye un tema secreto que hace que su duración total sea de 11 minutos).

Reflektor, como ya digo, es el tema que se encarga de la apertura del disco, y en seguida podemos notar aspectos que van a caracterizar este disco: Influencia Haitiana (como se puede ver en los bongos que aparecen), y la vuelta a la oscuridad que caracterizaba a su segundo trabajo Neon Bible, pero sin llegar a tonos tan esplendorosos a la par que apocalípticos. Nada que ver con el carácter algo más “alegre” del anterior trabajo The Suburbs y ni siquiera con su debut Funeral. Como las comparaciones son odiosas, las abandonamos aquí para preservar la integridad de esta banda.

We Exist podría pasar perfectamente por una versión más triste de Evil Eye del último disco de Franz Ferdinand… al menos los primeros segundos. Cerca del minuto si empieza a despuntar y salir el toque de los canadienses. Rasgueos de guitarra eléctrica simples que acompañan desde el inicio del tema. Destacar una letra de carácter reivindicativo que quiere hacer notar que existen y están ahí.

Doubt it’s true /I’m different from you /But tell me why they treat me like this?

Espera, ¿en han hecho una colaboración con UB40 para Flashbulb Eyes? A, es verdad, la influencia haitiana con todos los estilos que ello conlleva, verdad. Inicio de estilo Dub, reverberación en la voz de Win Butler que parece sacada de su segundo álbum. Esto se debe a que el disco fue grabado en parte en un castillo abandonado, al igual que Neon Bible se grabó en una iglesia que reformaron entre todos.

Heres Comes The Night Time empieza con una percusión agresiva para luego relajarse y que parezca un tema de los que puedes estar escuchando tranquilamente de fondo. Hacia el minuto 2 se le añade a la melodía un piano del estilo de The Suburbs (que se echaba en falta, gracias). Asimismo, se agradece la fuerte presencia del bajo, pero de nuevo, se echa en falta alguna guitarra, Win. Cuando todo parecía que iba con calma, llega la segunda mitad del minuto 4 para añadir una percusión que parece sacada del Carnaval de Río de Janeiro y programada por el mismo Safri Duo. Pero tras un minuto, se acaba y todo vuelve a la normalidad.

Normal Person es un tema más interesante con ese punteo de guitarra eléctrica y esa batería tan Arcade Fire en sus momentos más Rock&Roll. Sin más, dejo un ‘videoclip’ que incluye estos tres temas y algún personaje más (ejem Bono, ejem Adam Sandler).

En You Already Know nos presentan al grupo, tal cual, por si se nos había olvidado, para dejar paso a una melodía que parece, y no es ironía, sacada de The Suburbs. Algo más animado, con guitarra y todo, que parece sacado de un programa de televisión donde les hace la cabecera (de ahí la presentación inicial, no sé).

Joan Of Arc inicia con una guitarra eléctrica de estilo algo heavy, pero como es Arcade Fire, esto no podía ser demasiado tiempo, y a los pocos segundos corta y lleva un ritmo de batería tranquilo, que se anima cuando llegan al estribillo y dicen Joan Of Arc. Estos dos últimos temas sirven muy bien para cerrar el ‘primer’ CD de los dos que componen Reflektor (sobretodo, los versos en francés que canta Regine en esta última canción).

El ‘segundo’ disco lo abre Here Comes The Night Time II, donde se abandona totalmente la percusión festivalera de la primera parte y, en su lugar, encontramos cuerdas y un bajo que se agradece.

En Awful Sound (Oh Eurydice) volvemos a encontrar la influencia tribal, de nuevo una percusión rápida (no tanto como en HCTNT) de bongos. Este tema, junto a It’s Never Over (Hey Orpheus), plasma completamente el mito de Orfeo y Eurídice. Por si no lo sabéis (y en resumido) es: Eurídice muere, Orfeo va al infierno a por ella, y para llevársela no puede mirarla hasta que salgan del infierno. La ve antes de salir y desaparece (por si queréis saber más, aquí dejo un enlace). Podemos ver el paralelismo entre las canciones y el mito: En el primer tema (en cuanto estilo) todo va en tonos alegres, hasta que al final todo se gira (muerte de Eurídice). It’s Never Over no tiene parecido en cuanto estilo, muestra indecisión e incertidumbre, y la letra final lo dice todo:

We stood beside/A frozen sea/I saw you out/In front of me/Reflected light/A hollow moon/Oh Orpheus, Eurydice/It’s over too soon

De hecho (y ya para aparcar el tema de mitos y pasar a los siguientes temas) parece que todo el disco circula en torno a este mito, o al menos la portada, ya que muestra la escultura de Orfeo y Eurídice de Rodin. Podríamos establecer relación con Reflektor y con We Exist, por el hecho del desvanecimiento de Eurídice, de que todo parecía un espejismo, un reflejo, pero que aún existe y no entiende porqué la ignoran (toma reflexión a partir de dos canciones). Pasemos página.

Porno empieza con unos chasquidos y con un sintetizador muy interesante (iba a decir bajo, pero por el título, se podía sacar de contexto). Después del estribillo se añaden unas cuerdas muy curiosas y de la letra, bueno, cada uno puede sacar el significado que quiera.

En Afterlife de nuevo explosión de influencia Haitiana, pero buena. Nada de tambores Safri Duo, ni rollo Dub. Esto es Arcade Fire si en vez de Canadienses fueran de Haití. Totalmente su esencia, estilo No Cars Go pero menos animado. Posibilidades plenas de single.

En Suppersymettry encontramos a Win cantando casi en un susurro, con una percusión tribal simple y un sintetizador que hace un arpeggiador interesante. Asimismo, encontramos violines, que se echaban mucho de menos en el álbum. El tema va in crescendo, pero para el tercer minuto Win y Regine han dejado de cantar y su lugar es ocupado por el sintetizador y los violines que han ido subiendo de volumen. Hasta que llega el minuto 6 y todos es silencio… o casi. Pues hay una melodía de fondo que me es imposible clasificar y lo mejor seria que escuchéis al final de la entrada.

El disco, en líneas generales, me ha gustado bastante, pero hay momentos que te pierden y no sabes si sigues escuchando a Arcade Fire o te has pasado a alguno de tantos que he ido mencionando a lo largo de la crítica. Al álbum le pondría un 7,5, pero tengo que desarrollarlo. Para empezar, a un disco de este estilo es muy difícil ponerle una cifra numérica. Son Arcade Fire, o te gustan o no. Por mucho que yo le ponga un 10, si no es tu estilo, para ti será un 1. Para los fans del grupo, tal vez pueda parecer una decepción o por otro lado, una innovación, y es que no se parece a sus trabajos anteriores, pero a su vez tiene la madurez que les ha otorgado todos estos años de carrera. Tienen todo el derecho en hacer esto, si quieres escuchar la fantástica serie de canciones de Neighbourhood vete a Funeral; si te gusta el sonido épico y envolvente, aquí podrías encontrar algo, pero nada que ver con Neon Bible. Crean sonidos distintos para discos distintos sin perder su toque, al fin y al cabo, son una banda indie rock alternativa y hacen lo que les gusta y no lo que las grandes masas buscan. En Reflektor han querido buscar en sus raíces Haitianas y han optado por añadir elementos musicales de allí, si es mejor o peor, ya depende de cada uno. Pero para mí, la espera sí ha merecido la pena.

Por si tenéis curiosidad, os dejo dos críticas más, la de El País y la de Hipersónica.

The Killers y la evolución de “indie Rock” a “synthrock”

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Después de 9 años de carrera, 4 álbumes de estudio, giras mundiales y numerosos hits, The Killers lanza el primer recopilatorio de su carrera (que coincide con la fecha de lanzamiento del recopilatorio de Keane).

En este recopilatorio, se podrá observar la evolución en el sonido de los estadounidenses: de un sonido más rock que encontramos en su Hot Fuss en temas como Somebody Told Me o el grandioso Glamorous Indie Rock and Roll; parar en Sam’s Town donde en mantienen el mismo estilo pero con un cambio en el registro vocal del vocalista Brandon Flowers, para llegar a su apuesta synthpop que fue Day and Age, otro gran disco, con temas como Human Spaceman, pero que abandona la esencia que los acompañaba en un principio. Una esencia que quisieron recuperar en su Battle Born, pero no tiene nada que envidiarle a su Hot Fuss.

Hay que decir que la experiencia les había sentado bien y en su Battle Born encontramos canciones muy interesantes, desde su Runaways, su Be Still Miss Atomic Bomb. Pero nos dicen que tienen dos temas inéditos preparados para su álbum recopilatorio y nos preguntamos: ¿Será más Hot Fuss o, por el contrario, más Day and Age?

Aquí está el audio oficial de la canción, juzgad por vosotros mismos, pero este tema (producido por el productor de M83) se inclina más a su tercer LP:

Crítica “Halcyon Days”, el nuevo trabajo de Ellie Goulding

En 2010 se nos presentaba la británica Ellie Goulding con su primer disco Lights (con posterior re-edición Bright Lights), una delicia de disco donde la canción que da nombre al disco fue muy aclamada por la crítica, y que además contaba con otros tantos temas como Starry Eyed que convertían al disco en lo que es: una delicia.

Llegamos a 2012 y nos presenta su Halcyon, un disco donde madura y experimenta con sonidos más dubstep y colaboraba con músicos como Calvin Harris para la producción del disco. Estamos en 2013 y nos presenta Halcyon Days, su re-edición.

El disco original contaba con 17 temas y abría con Don’t Say A Word, tema que empieza con la voz de Ellie dando alaridos a la que se añade unos tambores con tintes de guerra.

Continúa con My Blood, cuyo estribillo es animado y se te pega enseguida. Percusión simple electrónica y una guitarra de fondo junto a los sintetizadores que ofrecen la melodía principal.

Anything Could Happen fue el segundo adelanto que tuvimos del álbum. De nuevo juegos vocales, pero el tema tiene un tinte alegre, no tan oscuro como encontramos en otros cortes del álbum. Muy recomendable la canción, y por si alguien no se acuerda de como suena, aquí está:

Only You abre de nuevo con la voz de Goulding, con efectos añadidos. De nuevo percusión electrónica simple, pero con estribillo pegadizo con la voz de Ellie que sufre un pitch. A parte del estribillo, nada que destacar.

Llegamos al tema que da nombre al disco, Halcyon. Una guitarra y la voz de la británica y un pequeño sintetizador que separa los versos. Tintes acústicos hasta que llegamos al estribillo y dice It’s gonna be donde a la guitarra se le añaden sintetizadores y una percusión que no suena demasiado electrónica. Un corte de carácter “acústico” (dentro de lo que encontramos en el álbum) muy recomendable.

Si Halcyon era una guitarra y en esencia acústica, en Figure 8 vemos su contraste. Estribillo dubstep, sintetizadores y la maravillosa voz de Goulding. En el primer verso podría recordar a los tintes de “guerra” y “rebeldía” de Don’t Say A Word, pero esto desaparece en cuanto llega al estribillo:

Una de cal y otra de arena, y es que en Joy solo encontramos un piano, instrumentos de cuerda, una batería y un coro. Para digerir el derroche de electricidad y energía de Figure 8.

Hanging On, tema compuesto por Billboard, nos devuelve a la esencia pop. En el estribillo, percusión dubstep, pero no los sintetizadores que caracterizan a este tipo de temas.

Explosions fue lanzado como cuarto single del álbum. Abre con un coro que parece sacado de una ópera, al coro se junta los versos cantados por Goulding. El corte va in crescendo hasta llegar al estribillo donde se añaden cuerdas y un piano. Del estilo de Joy, definitivamente. Y también de la canción que la sigue, I Know You Care, solo que el coro es de jóvenes y no se mujeres de ópera.

Atlantis nos vuelve a animar después de dos temas de carácter más lento. Aunque no tiene nada a destacar, es del estilo de My Blood. Tal vez mencionar el arpa que suena en la canción, que podría recordar al de Florence + the Machine.

Un bajo sintetizado y la voz con reverberación de Ellie es lo que nos acompaña a lo largo de Dead In The Water. Al segundo minuto se le añaden unos violines que le dan vida al corte. Y al minuto 3, un coro que la acompaña. Por seguir con las comparaciones de su contemporánea Florence Welch, decir que me recuerda al estilo de Never Let Me Go pero sin batería, y además, las letras comparten tema.

Ellie tiene el placer de recuperarnos de su primer disco el tema que le dio fama: Lights. Sintetizador ligero, un bajo (de verdad, de los que tienen cuerdas) que lo acompaña y un estribillo que se anima:

Continuamos con I Need You Love, tema donde la británica colabora con el productor Calvin Harris. La canción abre con un toque de guitarra eléctrica pero la melodía es muy de su estilo que podemos encontrar en su 18 Months (que por cierto, cuenta con una colaboración de Florence Welch, ya aprovecho).

Ritual nos anima, pero al estilo de Ellie. Sus tambores, su voz, su arpa y un estribillo animado, del estilo de Lights.

In My City es el resultado de Halcyon si se le hubiese dado el toque electrónico dubstep que encontramos en el álbum. Guitarra que abre el tema, estribillo estilo Figure 8, pero sin ser tan duro.

En Without You Love encontramos un piano que me recuerda a un estilo algo Disco, pero que desaparece para dar paso a una percusión de baile de estilo de Samba que se animan en el estribillo, tema original dentro del disco por los tambores y su esencia. Pero a parte de eso, nada a destacar.

Y ahora llegamos a los temas de la re-edición. Se nos muestra que la británica aún tenía más que ofrecer. Lo vemos en Burn, tema que se te pega al instante. Sintetizador que va en aumento hasta llegar al estribillo, donde se le van aplicando diferentes pitch a su voz. Primer single de la re-edición y emitido mucho en radios:

Con Goodnes Gracious seguimos con el buen rollo, tiene tintes de himno. Abandonamos la tristeza que podíamos encontrar en cortes del álbum simple. Melodía pegadiza y palmas que lo acompañan que combinan perfectamente. Este tema ha sido escrito por Nate Ruess, cantante de Fun.

Las primeras notas de You My Everything no dejan claro si va a tocar ahora un tema algo más triste, pero al poco de avanzar vemos que no. Y se agradece. Percusión y melodía se combinan hasta llegar al estribillo y vemos un ritmo rápido en el estribillo.

En Hearts Without Chains volvemos a encontrar otro tema lento, balada. Un piano y una batería discreta que se anima hacia el final. Unas cuerdas que se añaden. Como Explosions, pero este merece mucho más la pena.

Stay Awake estaba incluido en una edición deluxe del álbum original. De nuevo nos transmite el ánimo de la re-edición. Percusión dubstep en el estribillo del estilo de You My Everything.

Under Control es de tempo lento, va in crescendo, y el estribillo con percusión dubstep. Suena a más de lo mismo, pero tiene un toque interesante.

Flashlight es un tema producido por DJ Fresh, con un estribillo más del estilo dubstep de Figure 8 que los estribillos de los temas de la re-edición. Nada más que destacar.

En How Long Will I Love You me detengo para decir que es de nuevo una balada, pero con un tono más alegre y que demuestra la calidad vocal de la cantante. Hay que decir en este disco se ha esmerado con las baladas.

En Tessellate vemos un estilo más R&B, más relajado que en temas anteriores. Algo más relajado que se agradece y se aprecia, porque el tema merece mucho la pena.

La producción de BURNS, Midas Touch, es la que se encargar de cerrar el disco. Sigue un estilo R&B como el del tema anterior pero con un toque electrónico.

En este disco la británica se ha lucido. Pero en ocasiones resulta algo repetitivo y, algunos temas, carecen de originalidad, aunque eso no quiere decir que no sean buenos. Desde aquí le pongo un potente 8,75 sobre 10.

Personalmente me han encantado esos dos últimos temas con el toque R&B que le da al disco una originalidad bastante peculiar que se agradece. También decir que no tiene ningún tema a eliminar a sustituir, porque si lo haces quedaría “cojo” el álbum.

Es un gran disco y desde aquí os digo que merece la pena comprarlo. Asimismo, también digo que escucharemos más de ella en las radios gracias a esta re-edición.

 

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Televisión como medio de publicidad de artista

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¿Quién no ha estado viendo la televisión, o en la radio, y se ha preguntado cómo se llamara la canción que está sonando, o que directamente usa el Shazam u otros medios para averiguarlo?
Probablemente todos, y esto es así. Las campañas de publicidad procuran usar canciones que llamen la atención y gusten para, automáticamente, cuando la escuches, te acuerdes de X producto de Y marca. Gran estrategia comecial, sí. Es un claro ejemplo de la canción de la colonia L’Elixir, de Nina Ricci, que es una versión especial de la canción Sunday Girl, de Blondie, pero cantada por una joven de 24 años, Florrie, que a partir de entonces, el hecho de aparecer en el anuncio ha hecho que su fama aumentara y que, por lo menos yo y otros tantos curiosos, nos interesemos por ella.
Aunque no solo ha ocurrido con ella. ¿Recordáis los anuncios de Estrella Damm, que en versión extendida eran de 3 minutos largos y de fondo tenía una canción indie bastante animada? Podemos destacar al grupo sueco Billie The Vision and The Dancers con su Summercat, The Triangles con Applejack. Pero esperad, que aún sacamos más. Apple también ha aportado su granito de arena a bandas que comenzaban a ser conocidas, pero les dio el empujón final para que lo fuesen aún más. Ejemplos como Florence and the Machine, Fun., o Imagine Dragons.
A esto le podríamos sumar la seria Glee, donde interpretan canciones conocidas, y que hace que aumente la fama de estos artistas.
En resumidas cuentas, la televisión, en concreto, su publicidad, es una gran plataforma para que cantantes poco conocidos vayan adquiriendo notoriedad.

Eli Lieb, ejemplo de músico independiente

Eli1-332x500Eli Lieb es un artista que con esfuerzo ha conseguido forjarse un nombre en el mundo de la música independiente. Comenzó con un canal de Youtube, subiendo covers de temas como “Inside Out” de Britney Spears, “Stay” del duo británico Hurts, o una de mis favoritas, “Born To Die” de la joven neoyorquina Lana del Rey. Asimismo, hizo una colaboración con Inyang Bassey para interpretar “Natural Blues” de Moby.

Después de un tiempo, en 2011 lanza su álbum homónimo “Eli Lieb” con temas inéditos de un estilo Synthpop muy elegante, completamente compuesto por él. Ha sido bien recibido y desde aquí lo recomendamos completamente.

Más recientemente ha hecho más covers como “Ride“, de nuevo de Lana del Rey, “Try” de P!nk o, la pasada noche, “Mirrors” de Justin Timberlake. Ha estado anunciando la producción de un nuevo álbum que no tardará en llegar, el cual las personas que lo seguimos deseamos.

En un panorama en el que la música comercial casi ha monopolizado las radios, se agradece mucho la aparición de artistas como él, con una esencia propia y no la que le obligan a tener su discográfica o productores.

Podéis visitar su página web http://www.elilieb.com para más información. A continuación, algunas de sus versiones y algunos de sus temas inéditos: